abril 14, 2016

El Sueño del Esquimal #425, Jueves 14 de Abril 2016.

Cuando el viento norte empieza a soplar y ya casi podemos oler la primera lluvia en el puerto, le damos cuerda a la negrura de diamantes difusos que por momentos tienden a brillar y desconocer, para todos ustedes un nuevo sueño esquimal. 

 





District Of Dystopia
nomadic fortress, 2014

Hace 13 años aproximadamente cuando conocí a Amber Valentine y Edgar Livengood, compacto matrimonio que ya llevaban 10 años tocando tras el nombre de Jucifer (Athens, GA), me sucedió algo como obsesivo, ya que mezclaban el rock alternativo de los noventa que personalmente yo seguía, desentonaciones con un toque más pesado, melodías macabras, incluso en algunos temas rozando por el metal, guturalizando para luego volver a la delgada voz de Valentine. Versatilidad y sumando a todo esto una estética retro interesante que no pasaba por inadvertida. En ese entonces poco se podía encontrar en Youtube para ver actuaciones en vivo o algún video, y cuando algo salía sonaban pésimo, muy poca información, pero aún así seguía cada tema que iba a apareciendo. En ese entonces ya habían sacado 2 LPs “Calling All Cars on The Vegas Strip” (1998) y “I Name You Destroyer” (2002) los cuales vacilé bastante en solitario, ya que nadie más los conocía y tampoco no fui capaz de contagiarle a nadie el gusto. Hubo varias placas posteriores, pero ya en el año 2009 no les seguí mucho más la pista musical, pues tomaron un giro literalmente brutal el cual me era difícil de digerir, igual recordándolos y cachando que siempre andaban de gira en una casa rodante, que se movían por sí solos, de hecho se denominan como una banda nómade. Y así siguieron su camino… “District of Dystopia” salió el 2014, como continuación a este giro que fue natural en ellos, con un patente grindcore y no sé qué metal, brutal. Puedes sentir una intención de machacar cabezas. y un alto contenido en contra la política tanto norteamericana como mundial... tal vez esas cabezas son las que quieren romper. Las letras no se logra entender, pues pareciera que presenciáramos un exorcismo. Creo que si me hubiesen colocado este disco para escuchar a esta banda por primera vez, de seguro no lo hubiese tolerado, mas como los conozco hace bastante tiempo, he presenciado virtualmente la evolución, ellos tienen mucho que decir, son claros y viven su mundo, su música y su vida como les es correcto.

Y así es como a veces pienso que es el diablo el que me "canta", pero no, es Amber Valentine.

Claudia Venegas Hartung.





PUCE MARY
The Spiral
posh isolation, 2016

Chile es un territorio de temblores, terremotos y catástrofes naturales por excelencia. Debido a esto quizás nuestra conexión con los zumbidos y rugidos de la tierra es algo casi cotidiano, recuerdo muy bien aquella noche de 27F 2010 cuando comenzó a tronar la tierra y todo se sacudió a más no poder. Algo parecido he sentido al escuchar el corte "Masks Are Aids II" parte de este disco "The Spiral" de la danesa Puce Mary, más allá del ámbito netamente sonoro que nos propone, hay un aspecto físico que entrega su música que lo encuentro despiadadamente perturbador, más aún si situamos la escucha en la calle con los audífonos a todo lo que dan en esas horas muertas del almuerzo cotidiano en una ciudad como Valparaíso, con toda esa multitud de gente buscando algún lugar donde satisfacer sus oscuros apetitos, duele un poco decirlo pero fue justo ahí donde se me ocurrió intervenir la conciencia con ambientes de este tipo, y claro fue fatal, pero debo decirle que entendí bastante en hacer una música tan cargada que viene con la influencia del industrial deformado de los Throbbing Gristle, pasada por un filtro muy personal y violento si se quiere. Lo cierto es que la tipa se ha sacado un disco de esos que afectan de manera subterránea y que hacen pensar, no es una patada directa digamos, sino un antro oscuro de ruido bien enfocado hacia lo que quiere mostrar, desde el desagravio al vómito en pequeñas escafandras de sonido intervenido por máquinas, ecos y pedales que logran hacerte palidecer, algo así como un gran bloque de yeso que cae en tu cabeza desprevenidamente y que logra despertar las imágenes más siniestras que tu mente adormecida mantiene guardada en rincones perdidos, no hablo de temas porque deberíamos tomar todo este trayecto como una gran obra dispuesta hacia la apertura craneal, una buena sacudida para deformar todo esto de una buena vez.
Cada cual sacará sus conclusiones (esa es la gracia) y es innegable la grisura, para el final les dejo otra imagen que me vino a la mente escuchando a Puce Mary: vas caminando por una avenida llena de gente, a tu lado los autos corriendo con esa agresión tan chilena de los automovilistas, tú solo con los audífonos escuchando "The Spiral" sometido a ese sonido descascarado, cruzas la calle descuidadamente mientras suena "Enter Into Them" y eres arrollado por un móvil a plena velocidad, ya estas muerto junto al mismo aliento que has venido escuchando, los audífonos aún sonado caen al lado del bulto ahora ensangrentado.
Efímero devenir.

Raúl Cabrera Hidalgo.





CHARLIE HILTON
Palana
captured tracks, 2016

Charlie Hilton, ex miembro del trío shoegaze de Portland, Oregon “Blouse”, se arriesgó el año recién pasado, para renovarse un poco, refrescarse, tomar nuevos bríos como solista, para así luego deleitarnos con su dulce y tranquilo canto, que a la vez dice: hey! estoy aquí y tengo buenas nuevas...
"Palana" es un LP de 11 temas, que en su total no sobrepasa los 37 minutos de duración, suficiente tiempo para hacernos tomar la debida atención a temas que son de agradable escucha,  pegadores que junto a su nítida voz, más teclados psicodélicos, guitarras claras e incluso atisbos de electrónica y apariciones saxofónicas, forman ciclicidades melódicas y pausa en paralelo. Sentimos el toque retro que nos hunde en un pop de letargo femenino. Empezando con una pacífica bienvenida de la canción "Palana" y continuando con más ritmos desde "Something for Us All", que no parará, incluyendo hasta caricias de sinfonías en "Funny Anyway"; giraremos y giraremos hasta caer sobre suaves velos blancos.

Claudia Venegas Hartung.





DISTORTION GIRLS
Party
the cat box corp., 2015

Recuerdo alguna vez un amigo periodista me comentó que le gustaba escuchar El Sueño del Esquimal porque llegaba cansado de su trabajo a la casa y prendía la Radio Placeres cada jueves a eso de las 21:00 hrs. ya entrada la noche, y sabía que iba a escuchar un tipo de música lenta y pegada que lo podía invitar lentamente al sueño y el descanso reparador... bueno él estaría feliz con un tema como "Rain Rain Manhattan" relajado corte de casi 21 minutos que abre este atractivo trabajo llamado "Party". 
Distortion Girls es un trío venido de la escena experimental de Copenhague, Dinamarca, que llevan un tiempo creando esta música cadenciosa y espiral, todo se ha consolidado en Noviembre de 2015 cuando el sello The Cat Box Cop. ha publicado este bonito doble vinilo. Paisajes que invitan a desprenderse del tiempo y las urbanidades para caer en una especie de trance grato y lento, guitarras que flotan repetitivas junto a la voz inductiva de Marie Aarup Jensen, inicio extendido con el tema antes señalado y la curiosidad te toma para ver que más trae este tesoro oculto venido del norte de Europa. Asignarles la etiqueta de shoegaze o space rock sería lo más fácil, pero creo que les queda corto, acá hay derrame creativo distinto, sobretodo lo digo por el uso del tiempo ya que la segunda estación es el tema titilar que da nombre al disco "Party" otros casi 11 minutos y nuevamente somos conducidos hacia el bucle abstracto, ahora con un riff de guitarra distorsionada es la que conduce la ceremonia, a cargo de Tanja Vesterbye Jenssen, se me hace un poco la idea del disco "Quique" de SeeFeel un poco por la guitarra siempre presente y marcando la huella, aunque acá llega más como un mantra que cortante, la voz siempre se encuentra adentro de la maraña, casi hablada, drogada, las percusiones programadas son estoicas y dolidas, de a poco se huele el sintetizador difuminado de Marc Kellaway va dando el cuerpo en esta expedición silvestre. Ya han pasado más de 30 minutos y todavía queda un disco entero para descubrir. Si alguna vez dijimos que la música misma podía convertirse en una droga capaz de sacarte de la triste rutina ordinaria que dan estos ordenes sociales del capital y el trabajo, este disco queda como receta recomendable para muchos.
La segunda parte de este trabajo sonoro se muestra más directa y con temas de corto minutaje, como la golpeadora "Paperwork", un tema más pop quizás pero de apariencia desgarbada y atonal, que esto no se trata de Sigur Ros, si no de un ambiente mucho más humano y mañoso si se quiere. Como una tela de ruido creada por tres arañas de hábito nocturno. Por ejemplo en "Lightning Strikes" donde la voz de Marie se cruza con un piano de aspecto bohemio casi como en una taberna de mala muerte, buscando el último cigarro para despedir la noche lentamente sumidos en el humo envolvente y las delicadezas. 
Cuesta encontrar discos en este tiempo que te atrapen a la primera escucha y que cuenten con una onda distintiva, pero les aseguro que estamos frente a uno de esos, ahora en 2016 cuando muchos dicen que ya todo se encuentra hecho en materia sonora (algo que nunca he creído, siempre habrá algo nuevo por hacer). Distortion Girls una banda desconocida da cuerda a toda esta volada que siempre estamos buscando como aves rapaces, deformando el pavimento, rasgando las murallas o sacudiendo los entre-techos. 
Una fiesta para cosmonautas. Discazo aunque es probable que muy pocos se den por aludidos. 

Raúl Cabrera Hidalgo.


Garlands
4AD, 1982

Formados a principios de los 80's en la lejana Grangemouth, en Escocia, el trío que marcaría a tonos grises el porvenir del rock etéreo y envolvente de las islas británicas y porque no decir de esta gran historia que es la escena musical actual.
Todo partió en 1982 con "Garlands" un sombrío disco debut que obedecía a los cánones after-punk, bajos marcando con firmeza, guitarras cortantes y los susurros de paloma herida de a poco dejaban vislumbrar la caja de pandora... Liz Fraser y su voz inigualable, un instrumento más en la madeja que desplegaba Robin Guthrie con su guitarra plagada por capas de efectos y ambientación que pronto se convertiría en una marca registrada y muestra de distinción.
Un momento de intimidad en su segundo disco "Head Over Heels" de 1983, luego se sumaría el multi-instrumentista Simon Raymonde y vendría la confirmación, eran una banda especial, distinta, inusual.
En 1984 entregan al mundo uno de los discos más bellos y carismáticos que se recuerden "Treasure", una trama de atmósfera sobrecogedora, donde los temas parecen caer desde una vertiente cristalina y arrulladora, es difícil contenerse ante semejante belleza. Pero ellos siempre alejados en el mítico sello 4ad, no dejan que su arte sea receta de muchos, hacen lo posible por mantenerse totalmente subterráneos. Se van de gira con The Cure, graban un disco junto al pianista "acuático" Harold Budd, entrecruzan el proyecto de Ivo Watts-Russell (dueño de 4AD) This Mortal Coil y todo como si cayeran hojas en Abril.
Una historia que se ramarcaría con discos como "Victorialand" (1986, junto a Dif Juz), "Blue Bell Knoll" (1988) y "Heaven or Las Vegas" (1990), que los trae a Sudamérica, tocan en Brasil y Argentina (tocata que hasta hoy me arrepiento de no haber asistido, bueno los padres y la falta de dinero...que va!).
Luego la debacle... la separación, primero de 4AD y pronto de Robin y Liz.
Se convierten en leyenda.
.
Raúl Cabrera Hidalgo.




Sintoniza El Sueño del Esquimal hoy Jueves 14 de Abril, pasado las 21:00 hrs. por Radio Placeres 87.7 FM desde Valparaíso y online además.


marzo 31, 2016

El Sueno del Esquimal #424, Jueves 31 de Marzo 2016.



Recordando al gran maestro de la vanguardia sonora, el primer punk de la historia marcando las direcciones con distinción como una estrella negra iluminando en el cielo.

 


Blackstar
columbia, 2016

La muerte... el final de la vida o el paso a un plano mas trascendental. Dejando las cosas en orden antes de partir, el legado es algo importante, tanto mas para un artista de la talla del duque blanco, personaje influyente que marcara la vanguardia (ya no solo musical) de las ultimas décadas. 
Luego del golpe que significó su muerte, aquella mañana del 10 Enero a la edad de 69 años por un cáncer (que mantenía en silencio para público y prensa), era para no creerlo y la tristeza inundó el inicio de este 2016, vaya manera de comenzar el año que se llevaba a esta figura que parecía casi un Dios eterno, visionario y elegante siempre. 
Ahora solo nos queda "Blackstar" como una especie de testamento póstumo para todos los que disfrutaron su música por tanto tiempo. A fines de Diciembre de 2015 ya se habían adelantado dos cortes largos de este disco, la titular "Blackstar" de 9:57 minutos y luego "Lazarus" de 6:22, estas dos piezas en sí mismas ya son como un mini-álbum de despedida donde David Robert Jones (su verdadero nombre) se hunde en la profundidad de los ambientes con su voz clarividente en plena forma, aunque ahora con el paso de los meses se siente bastante la carga emocional que contienen estas composiciones, de todas maneras musicalmente son canciones donde se concentra un poco la carrera de Bowie surcando la música popular en una constante busqueda, lo que hace visitar distintos tipos de sonoridades en un solo viaje, encontramos pop, funk, electrónica, orquestaciones, jazz, experimentación y ese toque tan especial que siempre emanaba de su actitud y voz, de culto sin dudas. 
Ya con el impulso de estos temazos, recorrer su 25° disco de estudio se hace muy placentero, somos conducidos en el tren caleidoscopico de Bowie, el mismo que podríamos tomar al transitar por su discografía plena de buenos momentos, muchas veces desafiando los estilos en voga y girando la tuerca hasta romper las formas y crear nuevos horizontes sonoros, con una dignidad que pone los pelos de punta. Ahora, si que se quiere resumir su carrera entre álbumes recomendamos comenzar con el primero, el homónimo "David Bowie" (1967), luego seguimos el trance con "Hunky Dory" (1971), "The Rise And Fall Of Ziggy Stardust And The Spiders From Mars" (1972), "Aladdin Sane" (1973), "Heroes" (1977), "Low" (1977), "Lodger" (1979), ya basta... se podrían nombrar todos, Bowie fue un artista con un olfato creativo muy agudo, la precision de su mente inquieta le hacia incursionar con exito en muchas atmosferas, desde el laboratorio esquimal sentimos la pérdida y por eso esta revisión a su disco póstumo, dejando las ventanas abiertas para volver con su legado en cualquier momento, ya que son discos atemporales, vienen de un futuro paralelo donde habitaba este magnifico Duque. 
Chao master.

Raúl Cabrera Hidalgo.





MATT BARTRAM
Moments Before

Sucede que cuando a las personas les gusta tanto un estilo de música y sus respectivas bandas, obsesionándose de cierta forma, llegado el momento de crear su propia propuesta, el producto final es una prolongación de lo anterior, con el pequeño detalle que no lo hicieron ellos. Puede llamarse a esto “influencia” o “cita musical”, sin ser al final una copia o imitación, sino que simplemente es lo que nace, lo que se lleva dentro y es lo que sale, no hay otra alternativa. Supongo que esto podría describir  lo que ocurre con Matt Bartram (Air Formation), joven norteamericano que pareciera haber salido de Inglaterra de los años `90, creando melodías con esa fibra shoegaze hipnótica. 
"Moments Before" viene siendo su cuarto álbum en solitario y llegan muchos recuerdos a la cabeza, nos trasladan a otra década. Bartram, tal vez es muy estudioso o simplemente un buen reproductor, bueno, ya tiene su trayectoria… capturó muy bien los sonidos de la movida ya nombrada, ¿Qué pensará Kevin Shields o Neil Halstead al escuchar esta obra? 
Con una voz muy amigable y sentida, nos comienza a invitar para introducirnos con interés en su primer sencillo "Dissolve", que luego, entremezclándose con los instrumentos, haciendo un solo ambiente difuso y giratorio… que ya a la altura de "Visualise"  podemos afirmar que hay estrellas fugaces en el cielo.

Claudia Venegas Hartung





JESU / SUN KIL MOON
Jesu / Sun Kil Moon

Cuando hablamos de Sun Kil Moon (Mark Kozelek) siempre tendremos la misma idea: un artista que hace del pesimismo y la desidia existencial sus valores más arraigados en forma de música. Si a esto le añadimos Jesu, tenemos la unión de dos de los personajes más depresivos del panorama musical actual. Sin necesidad de sobrecargar sus espaldas, esta colaboración nace de un sentimiento mutuo, de un agujero negro cargado de emociones que se va tragando al oyente al igual que lo hace con los propios intérpretes.
La apertura de sus más íntimos sentimientos, ese tono confidencial tan característico del cantautor ex-Red House Painters junto a las instrumentales pesadas, abrasivas y deliberadamente negligentes del grupo shoegazero/drone británico (también provenientes de otro icono de la música industrial, Godflesh) hacen de esta unión algo casi natural, obvia, de algún modo u otro ya estaban relacionados en nuestro mapa mental musical y su  unión no se siente como una rareza, solo era cuestión de tiempo. Parece que siempre estuvieron juntos, de la mano, dejándose caer al vacío de sus propios trastornos, y qué dignos de admirar resultan en este disco.

por Nomorehype





HANTE.
This Fog That Never Ends
synth religion, 2016

Cuando la oscuridad brota por los poros, es como que la sangre tuviera glóbulos malditos que pidieran manifestarse hasta de la forma más sencilla, rememorando esencias remanentes del pasado, generando ingredientes para el presente y futuro. Al menos eso nunca morirá, creo... y si así fuera es que queda este “fantasma” que con su mínima estela te recalca que no debes perder el gusto y que debes moverte un poco con este sonido transversal que recorre toda la orbe. 

Hélène de Thoury es la mujer de voz profunda y envolvente, que juega con los ritmos, bajo la sábana de Hante. , su primer proyecto solista, con el que  se empoderada ya en el Darkwave francés con sus sonidos sintéticos, minimalistas, más que bien utilizados en ésta, su segunda placa, quedándonos más que claro que la niebla nunca terminará, menos ahora.

Claudia Venegas Hartung





MASSIVE ATTACK
Ritual Spirit EP
virgin, 2016

Hay que admitir que una de las primeras sorpresas musicales del año fue tener material nuevo de Massive Attack, así este no conforme un álbum propiamente dicho. Desde que editaran el destacable "Heligoland "(2010), la actividad del connotado combo electrónico inglés (que ahora funciona como un ente bicéfalo conformado por Robert "3D" Del Naja y Grant "Daddy G" Marshall) en este último lustro se había concentrado principalmente en presentaciones en directo y en adherirse a distintas causas políticas, pero a pesar de haber anunciado en el 2013 que se encontraban trabajando en temas nuevos, no había nada que augurara que estos aparecerían a inicios de este 2016 (28/01/16, para ser más exactos) en diversas plataformas digitales. Los primeros datos a destacar sobre este EP de 4 temas titulado "Ritual Spirit", es que cuenta con la participación de Tricky, que colabora con su ex-grupo -que dejó en pos de su carrera solista- por primera vez desde "Protection" (1994) y es la única grabación (aparte del soundtrack de la película Danny The Dog) en la que el tío Horace Andy no aporta su distintiva voz al conjunto, todo un clásico de Massive Attack. 

Desde los primeros segundos de "Dead Editors" (track que da inicio al EP) se puede entrever que el tiempo transcurrido desde su último lanzamiento les ha servido para poder incorporar sonoridades nuevas a su discurso, pero siempre agregándole su impronta característica: es así que el mencionado tema se desenvuelve en una base uptempo que abreva en las fuentes del 2-step, sobre la que el rapero británico Roots Manuva dispara dinámicos versos; es el tenso y pulsante bajo que se oye de fondo en el que se percibe el proverbial tono oscuro que Massive Attack le imprime a sus creaciones. Dicha tensión también se respira en "Ritual Spirit", que le da título al extended y en el que las notas de guitarra que entran/salen y el amenazante bajo ayudan a crear una densa atmósfera, con una base tribal y efectos de palmadas sobre las que el soulero inglés Azekel entona vocales con mántrico efecto. Los mejores pasajes llegan luego de eso, con "Voodoo in My Blood", tema que también se sirve de percusiones tribales (aunque más complejas y trabajadas que en el tema que antecede) a la que de a pocos se le van superponiendo sonidos diversos de sintetizadores, repetitivas guitarras (la que entra en 1:25 es la que da carácter al track) y la armónica vocalización del tándem hip-hop Young Fathers, que crean un momento de hipnótica naturaleza y galopante intensidad. "Take It There" es el tema en el que participa Tricky, que cierra el EP y que es a mi gusto el más destacado del conjunto. Acá tenemos a 3D y al monstruo de Bristol intercambiando vocales en un call-and-response como en los viejos tiempos sobre una base rítmica de clasicismo trip-hopero, con un piano que va marcando el pulso (que guarda alguna similitud a "A Wolf at the Door" de Radiohead) y con un apremiante crescendo hacia el final que culmina con todo volviendo a la tranquilidad del inicio de brillante forma. Recomendado. 

por LesterStone



También nos acompañarán los amigos de Fatiga de Material en el estudio, mostrándonos algo de su segundo disco homónimo que han publicado hace muy poco.

Sintoniza El Sueño del Esquimal hoy Jueves 31 de Marzo, pasado las 21:00 hrs. por Radio Placeres 87.7 FM desde Valparaíso y online además.

marzo 16, 2016

El Sueño del Esquimal #423, Jueves 17 de Marzo 2016.


Bienvenida a la temporada del tiempo frío, queremos que llueva!! 


Des Fleurs Magiques Bourdonnaient
northern light, 2016

Con una grata sorpresa nos encontramos al descubrir la existencia de Rev Rev Rev, de Modena-Italia, sí, de donde mismo se elabora el rico aceto balsámico, pues también aparece esta misteriosa banda.
Ya en el año 2013 sacaron su primer LP homónimo con una alta influencia shoegaze y noise británico al estilo My Bloody Valentine, ocupando aquella efectiva fórmula de efectos  etéreos (valga la redundancia) y de asonancias ondulantes, captando imágenes caleidoscópicas en la imaginación, mas marcando a su vez su propio sello distintivo. Este año aparece "Des fleurs magiques bourdonnaient" (flores mágicas zumbaban), haciendo alusión a un extracto de poema que aparece en las “Iluminaciones” de Rimbaud, en donde se mantienen fiel a su estilo, sin dejar también de lado una clara psicodelia que envuelve a  todo este trabajo. Sin embargo, algo más ocurre acá; comenzando con temas como "Buzzing Flowers Ecstasy" y "We Can But Dream", pareciendo más uniformes con respecto a su placa anterior y a la onda en sí, de improviso quiebran notablemente como en "Je Est Un Autre" y en "A Ring Without An End", con toques más agresivos y oscuros, agregándole alta potencia que se hará constante en el transcurso de este disco de 12 temas breves, en el que aquellos caleidoscopios que nombrábamos anteriormente se convierten en vitraux de catedrales pesumbrosas, para luego finalizar con "Aloft" dando un espacio de relajación para volver en sí. Excelente aporte desde la “bota” europea, pues de a poco me voy sorprendiendo de algunas cosas nuevamente.

Cuando el mundo sea reducido a un solo bosque negro para nuestros cuatro ojos atónitos, - a una playa para dos niños fieles, - a una casa musical para nuestra clara simpatía, - yo te encontraré.
Arthur Rimbaud
por Claudia Venegas Hartung.


Helium
medical records, 2016 

Pram fue un cuarteto afincado en Birmingham a comienzos de los 90's, una de esas extrañas bandas que en esa época vinieron a trastocar los conceptos del rock independiente británico junto a Stereolab, Disco Inferno, Seefeel, Insides, Laika, Bark Psychosis, Th' Faith Healers, Mouse On Mars, Moonshake y otros. 
Dueños de un sonido esquizoide y marciano, usaban teclados moog, hartos samples, percusiones silvestres, ritmos inspirados en el krautrock y la voz especial (entre aniñada y tímida de Rosie Cukstom) que le aportaba harta onda a la banda, como una especie de Nico perdida en el parque de diversiones. 
De su dilatada discografía hemos elegido "Helium", uno de sus discos mejor logrados, publicado por el prestigioso sello Too Pure en 1994 y que cosa curiosa ha sido re-editado por primera vez este año por el sello Medical Records en un hermoso vinilo amarillo. Algo así como una celebración para la escena noventera espacial post rock UK que confluían en la casa Too Pure, Medical ya venía lanzando re-ediciones de Seefeel y Laika y al parecer no piensan en parar. Para nosotros un gusto volver a escuchar estos discos impregnados por la exploración, texturas, ambientes y vuelo constante. Llegó el momento de Pram, El Circo Lisérgico.

Raúl Cabrera Hidalgo.





TORTOISE
The Catastrophist
thrill jockey, 2016 

Post Rock from Chicago. 
Como entrando en un salón de sonidos y música de variedades exquisitas, cultura y ambientes se mezclan en este aparador de hotel. El silencio que ha pasado de 7 años por un instante se desvanece. 
Tortoise está de vuelta y ya sabemos eso de... todo cambia en el tiempo. No importa. Las luminarias se mantienen y la experiencia auditiva junto a este legendario quinteto norteamericano aún es placentera y sorprendente. El cuarto está en regla, algo de misterio germánico en clave krautrock aparece y reaparece, refinada onda expansiva electrónica contenida por un ramaje sincopado de sonido orgánico que golpea las sienes, instrumentales de apariencia emancipada dan paso a un mirador de espejo apocalíptico entrecortado por el relajo progresivo.
Algunas variedades para el set, la inclusión de vocalizaciones en dos rincones del entramado, la clásica "Rock On" con Todd Rittmann (U.S. Maple, Cheer Accident) y la hawaiana "Yonder Blue" con Georgia Hubley (Yo La Tengo) acunando la noche. Se trata de otro buen disco para su trayectoria inspiradora, mejor no mirar hacia atrás, eso ya estuvo bueno. Conduciendo hacia la playa no hay catástrofe. En el salón se mantienen los armónicos y las refinadas cadencias.

Raúl Cabrera Hidalgo.

WALL EP
wharf cat, 2016

He aquí una novedad antinovedosa, sin embargo interesante. Post-Punk del bueno. Con ritmos rígidos que azotan cabezas contra la  sequedad del  pavimento norteamericano, aparecen estos chicos de New York, aún algo incógnitos por los medios, se mantienen abajo, subterráneos, apoderándose del legado de la No Wave transportándola a nuestros días con este sonido que revive nostalgias claroscuras. "WALL EP" sale con limitadas 300 copias; 4 temas de corta duración que desde que comienza con "Cuban Cigars" te saca de tu puesto, te sacude un poco y te das cuenta por dónde va la línea. Esperaremos lo que sigue después.

Claudia Venegas Hartung


Perfect Vision
no patience, 2015

Gritos, golpes y after-punk dark desde Australia, la isla de los malditos, que siempre nos sorprende por su escena independiente fuera de tiempo y orden con una crudeza que da gusto. Spite House son un cuarteto de Melbourne (vaya ciudad solo recordar como The Birthday Party y The Scientists han dejado su influencia) formado por Stina, Steph, Zac y Lee, cada uno con pasado extenso en bandas punk y hardcore subterráneas de aquella ciudad.
"Perfect Vision" es su segundo EP, luego del homónimo que apareció en 2013, 4 cortes abrasivos y a toda velocidad, donde muestran mucha actitud y rabia, con una vocalista que recuerda a la adolescente Björk gritando para los oscuros KUKL de comienzo de los 80's en Islandia, hay harto carácter y agresividad en estas cuatro canciones, algo que no deja de llamar la atención para estos tiempos tan light y sometidos, para Spite House puro agüante y solo queda esperar su debut en disco largo.
Del sello No Patience a tenerlo en cuenta, lo conocimos gracias a los Rule Of Thrids en 2015 y cada nueva placa que publican uno queda con la cabeza para atrás, muy buen reducto, ojo con ellos.

Raúl Cabrera Hidalgo.



Además nos acompañará en el estudio, nuestro buen amigo Patricio AKA Hawái, con Ruidismo y Ambientes a cargo de dos proyectos de el ex-Wire Bruce Gilbert registrados a comienzos de 2000, esto queda como sorpresa para esta noche esquimal.

Sintoniza El Sueño del Esquimal mañana Jueves 17 de Marzo a eso de las 21:00 hrs. por Radio Placeres 87.7 FM desde Valparaíso y online además.

marzo 08, 2016

El Sueño del Esquimal #422, Jueves 10 de Marzo 2016



Y ya vamos en la onda... entrando de a poco en la maraña del sonido, un nuevo año, un nuevo comienzo, tanta silueta por merodear, tanto ruido para salpicar. Algunos se van, otros retornan, nos concentramos y extendemos las antenas esquimales.

 

Set Your Clock By Your Heart
second language, 2015

Piano Magic se formó en Londres hace 20 años por iniciativa del multifacético artista Glen Johnson, en sus comienzos fueron un trío para más tarde convertirse en un colectivo de 'artistas sensitivos', los que han ido moldeando ese halo de misterio y seducción para sus creaciones. Siempre innovando, buscando distintas posibilidades sonoras para su musicalidad detallista, oscura y bella, con Johnson dirigiendo ese concepto 'mágico' de atmósferas visibles, líricas de la vida distanciada y arte refinado.
Entrar en la discografía de Piano Magic supone un acercamiento con la conciencia y el encanto sublime, en la memoria quedarán discos notables como "Low Birth Weight" (rocket girl, 1999) con Caroline Potter y Raechel Leigh en las vocalizaciones, esa placa terminaba con "Waking Up", un cover de los desaparecidos Disco Inferno, donde demostraban la conexión con el sonido abrasivo y apocalíptico, buenas influencias que iban desde Kraftwerk, This Mortal Coil y New Order hasta Low, Flying Saucer Attack y por supuesto The Cure, todo ese aroma suspendido más su propia esencia quedaba impregnada en cada canción y en cada instante.
Cuesta encontrar momentos flojos en su trayectoria, si incluso su minimo roce 4AD, "Writers Without Homes" ('escritores sin casas') de 2002, revela pureza y distinción, y lo nombro porque fue un disco super criticado en su momento, pero igual quedó. A partir de "Disaffected" (green UFOs, 2005), la banda se consolida desde su centro con las aportaciones de Jerome Tcherneyan, Franck Alba, Alasdair Steer y la voz angelical de Angele David-Guillou (Klima), habitantes que permanecen hasta el día de hoy y que junto a Johnson han dejado la huella firme de este nombre escondido en el cristal más fino, como lo demostraron en su último disco largo a la fecha, el elegante y oscuro "Life Has Not Finished With Me Yet" (second language, 2012).

Pero como nada es para siempre todo apunta ahora a que Piano Magic se disuelve este año luego de la aparición de lo que será su décimo y último LP "Closure" que tiene como fecha aparecer en el segundo semestre del 2016. Bueno mientras tanto nos quedaremos con esta espléndida recopilación aparecida en Diciembre de 2015  "Set Your Clock By Your Heart, A Piano Magic Best Of...". Una colección de canciones remasterizadas y tomadas de sus múltiples trabajos, llama la atención de esta noble agrupación lo fácil que se les hace crear momentos perfectos de sutileza con esas vocalizaciones siempre invitando a la calma para luego en cualquier momento entrar ambientes inquietantes a cuenta de guitarras planeadoras y bajos contundentes como en la inicial "Incurable" uno de esos temas que quedarán como testimonio de una vida creativa plena.
Es bueno acá apuntar algo que Glen Johnson en las pocas entrevistas que hay por ahí explica, aquello de mantenerse alejado bastante de las luces y los distintos estilos musicales que se han dado en estos últimos 20 años, claro porque la música de Piano Magic se ha refugiado en un plano personal donde las recetas de éxitos no son necesarias, cuentan con un sonido tan distintivo que con el devenir del tiempo se han afincado en su isla alejada, que no en lo esencial que para eso hay muestras de sobra en este compilado, no necesitaron de la fama eso es todo, no la buscaron, está bien, prefirieron mantenerse lejos y esto es doblemente rescatable en estos tiempos donde es fácil caer en exitismos baratos como da cuenta la escena artística actual.
Y sería largo nombrar sus colaboraciones, la cantidad de músicos que han pasado por la banda y las voces que aparecen como Brendan Perry (Dead Can Dance), Alan Sparhawk (Low), John Rivers (The Bitter Springs) y Vashty Bunyan por nombrar solo a los más conocidos. Una vertiente constante de creación puesta al servicio de una sensibilidad particular (discos, bandas sonoras, experimentación) inspirada quizás en los recordados This Mortal Coil.
Temas sobresalientes de sus diversas etapas sonoras se van sucediendo en esta placa como "Bad Patient", "You Never Loved This City", "Crown Estate", "Saint Marie", "Snowfall Soon", etc. podría nombrarlas todas, pero estamos frente a un legado que deja Piano Magic tanto para sus fans más cercanos como para el auditor que comienza recién a descubrirlos, todo se encuentra en su lugar y suena perfecto.
El futuro de la banda es incierto, pero el mismo Glen Johnson ya va dando señales que su talento creativo no parará con sus otros proyectos e ideas personales para el sello Second Language, como siempre en la historia de la música, nunca se sabe bien lo que depara el futuro y queda aún pendiente escuchar aquel punto final que por el momento solo tiene un título "Closure", por ahora solo la alegría de haber conocido a una de esas bandas que se van a quedar contigo para siempre.

Raúl Cabrera Hidalgo.






A PERFECT CIRCLE
Thirteenth Step
virgin, 2003.

Con todo esto de la vuelta de los vinilos, hoy hasta aparecen discos que cuando fueron publicados no venían en ese formato, pues lo que la llevaba en aquel entonces era el CD solamente. Pues bien, vitrineando en una que otra tienda de música, he visto ya vinilos de APC. Se me hizo agua la boca como serumen al oído. Así fue que me dio toda la nostalgia de juventud, en la que “Thirteenth Step” me emocionaba tanto, me lo cantaba todo, no sé si habré llorado ahh… o qué en aquel entonces, pues eso era lo que me provocaba y aún remane en mí.
La afinada y sentida voz de Maynard James Keenan, tan buen intérprete y cantor de cunas para su amiga Tori Amos. No confundamos A Perfect Circle con Tool, pues claro que comparten a su vocalista, pero detrás de esta banda hay un gran equipo conformado por el ingeniero en todo esto y en guitarras Billy Howerdel,  Josh Freese en batería (Nine Inch Nails, entre otros), hasta llegó James Iha (ex Smashing Pumpkins) con su destacado aporte, conjugándose una maraña de conexiones de bandas norteamericanas de renombre en el ámbito industrial, progresivo, alternativo y gótico? (hasta podrían anotarse como anexos, en algún otro momento). Pues no cataloguemos a APC como una banda de esos estilos como tal, creo que simplemente es la unión de buenos músicos que hacen un trabajo de joyería, detallista, fuerte y sentimental, capaz de generar ambientes mágicos y múltiples sensaciones. Ya llamaron la atención cuando aparecieron con el tema Judith de su primera placa ”Mer de Noms” en las radios y MTV, por ahí el año 2000, mostrando su potencia, actitud, elegancia, un extraño Maynard que mostraba la cara y una atractiva bajista (Paz Lenchantin, posteriormente Zwan), para luego sacar este trabajo de 13 pasos (sin embargo son 12 sencillos) en el 2003, donde se incorporan otros integrantes, incluso Jeordie White (más conocido como Twiggy Ramirez de Marilyn Manson). Aparece en los medios "Weak And Powerless", invitándote a escuchar el álbum entero y cuando lo hiciste, te diste cuenta de que los otros temas eran aún mejores, como "The Package" que con paciencia y esperanza ya sabías que algo bueno comenzaba...luego con "The Noose", sin palabras, un gran desarrollo, no hay tema malo aquí, para ir rematando con "Pet", que más adelante pasaría a ser un himno reaccionario a la política norteamericana de esos años para luego ir suavizando todo con vocecillas de Jarboe (Swans), osea, ellos saben… Luego vendría “EMOTIVE” (Virgin, 2004) como inmediata continuación, con una gama de covers (de John Lennon, DepecheMode, Devo, Black Flag, por nombrar algunos) y uno que otro tema propio, donde hasta también estaría incluído Trent Reznor. Lo más maravilloso de ese disco, es que plasman su sello propio circular en temas que no les pertenece, dejando muy buenos resultados. Así que eso, me volvió la nostalgia del Círculo Perfecto, aunque digan que la perfección no existe, esto está bien cercano a aquello.

Claudia Venegas Hartung.

Horrible
feliz año nuevo, 1995

Y tal como fueron los 90s', es aquí que tenemos un testimonio implícito de una época en apertura constante, variados estilos, corrientes musicales y artísticas que iban apareciendo, cada uno en su reducto pero con un ojo cerrado y el otro mirando el horizonte que por aquel entonces era abundante en ideas y esperanzas varias. Uno de esos grupos que nos dejaron marcando ocupado al alero de Sonic Youth, Pixies y "la nación alternativa" de MTV (sí es verdad, antes mostraban videos de bandas) fueron los argentinos Suarez con su vocalista Rosario Bléfari a la palestra, hay que recurrir a recuerdos propios para poder contextualizar su sonido desgarbado e inquieto en un tiempo de mucha efervescencia y alboroto con la Discotheque Blondie marcando esas noches frías. En Santiago y otras ciudades de Chile se abrieron disquerías que al fin tenían los discos o cassettes que venías esperando por años oscuros de aislamiento dictatorial, recuerdo algunas como Fusión, Background, Rolo Records o El Cuarto Desconocido en Viña del Mar donde merodeaban un montón de gente inquieta con la que podías hablar de bandas y escenas que habían dormido en el underground del 'cassette pirata' de antaño que harto había servido por lo demás. Pero se suponía eran tiempos de cambio, ahora todos seguían al moderno CD por ejemplo, en esta coyuntura un tanto desordenada en el entusiasmo propio del momento llegó a mis manos una "recopilación" donde venían 2 temas de Suarez, eran "El Ídolo" y "Flores De Hotel" de su primer álbum "Hora De No Ver" (FAN, 1994), de inmediato quedé prendado por una música frágil y caótica, llena de imágenes y letras sinceras que tanto se echan de menos hoy por hoy, había una entrega distinta que te atrapaba ya sea por la idea del 'hazlo tu mismo' o porque eran simplemente locos y disfrutabas ese descaro tanto en la producción como en sus directos, que por supuesto para los más doctos de la época eran una tomadura de pelo recuerdo, jajaja.
Pero bueno con el tiempo uno aprende que no hay que ser tan fundamentalista para todo, ojalá que aquellos otros lo hayan entendido alguna vez, lo cierto es que en 1995 los Suarez se habían auto-publicado el segundo disco de su carrera, el notable "Horrible", un trabajo más conceptual comparado con su primera entrega, donde el territorio Lo-Fi se utilizaba con excelencia y delicadeza, canciones que venían a ser como un pequeño viaje de estaciones por si mismas, mucho ruido pero también un núcleo bien enfocado, letras aún más personales, sonrisas, zarandeos explorativos y algunos clásicos de la banda que venían aquí como "Saludos En La Nieve" (no es acaso la historia contada de este mismo espacio radial?), la shoegazing "Guantes De Piel", "En La Bicicleta", "Dos Luces" y "El Falso Ladrido", algunas venidas a Santiago y más luces. Recordemos que Suarez fue parte de una escena independiente destacada de los 90s' que se formó en Buenos Aires con gente como Adrián Paoletti, El Otro Yo, Los Brujos, Carca, Juana La Loca, Babasónicos, etc.
Fue un buen momento, luego la banda publicaría dos álbumes más "Galope" (FAN, 1996) y "Excursiones" (FAN, 1999) donde su sonido se normalizó de alguna manera, más tarde vendría la disolución y la carrera como solista de Rosario Bléfari que ya es otra historia. Así Suarez quedó como una luminaria casi perdida en su tiempo y recordada solo por algunos, y quien se lo iba a esperar este 2016 viene con muchas sorpresas como hace algunas semanas supimos que la banda se reunía para hacer algunos conciertos en Buenos Aires en Marzo o sea ahora, después de tantos años y lo que viene porvenir, por venir... ojalá los tengamos luego en Chile y si es con nuevo disco más mejor pues. El recuerdo se mantiene, lo revisamos este jueves en El Sueño del Esquimal (junto a los amigos de Hammuravi que presenciaron este gran retorno), donde más iba a ser Dios.

Raúl Cabrera Hidalgo.





TY SEGALL
Emotional Mugger
drag city, 2016.

Nuevamente nos encontramos a punto de entrar de cuerpo completo a un tubo de juguete multicolor, a ratos en blanco y negro. También podría ser un caleidoscopio en tus manos. Este es el juego que nos propone Ty Garrett Segall, joven músico multi-intrumentista, compositor, alto imaginista y con una amplia trayectoria musical dentro de lo que sería el lo-fi, punk rock garaje y como no…la retro-psicodelia. Podría decirse que "Emotional Mugger" es su álbum más experimental dentro de algo ya experimental.  El punto es, que este californiano, no se deja llevar tan solo por esta onda alucinógena, algo cíclica (que está bien), sino más bien la viene a romper con una potencia y locura atemporal que acaricia con su fuzz, ruidos y asonancias. Se une a su banda soporte para este disco The Muggers, con quienes en vivo hacen de lo suyo y transformándose Segall en una especie de personaje performista llamado Sloppo, con su máscara de bebé, se las trae… con "Squealer", comienza así su asalto emocional. Cuidado. 

Claudia Venegas Hartung.



Sintoniza El Sueño del Esquimal mañana Jueves 10 de Marzo a eso de las 21:00 hrs. por Radio Placeres 87.7 FM desde Valparaíso y online además.


noviembre 28, 2015

El Sueño del Esquimal #421, sábado 28 de noviembre 2015.


Desde la melodía matinal hasta el acercamiento de la hora ciega, desbordantes, contenidos, ruidos en el cielo y susurros encadenados, El Sueño del Esquimal te invita a degustar...






Guilty
exploding in sound, 2015

De pronto me puse a escuchar este disco para cachar de qué se trataba esta banda, sin tener ninguna referencia. Cuando comienza con la canción "Thank You Come Again" de inmediato me recordó a "In Bloom" de Nirvana o algo por el estilo. Pensé que se trataba de una nueva agrupación de esas como “neo rock alternativo de los `90” que existen por ahí. Esa fuerza  en las guitarras y voz femeninas de infante que predominaban por ejemplo en  Veruca Salt. Algo parecido estuvimos escuchando a principios de este año con Colleen Green, remanentes de tiempos ya pasados, pero que llevado de buena forma, ese gustito siempre quedará. Llega el segundo tema, "Red Roulette" con harta rudeza, acordes cíclicos que concuerdan con el título del mismo y guitarras “deftonianas”, pero con menos pompa. 
Cuando pensé que le había agarrado el hilo, luego de estos dos temas que nos dan un hey! de que algo bueno estamos escuchando, súbitamente toma un giro, mas no para peor, para nada, sino más bien en un tono distinto y con identidad propia. Acá la banda liderada por Jenny Tuite y Alex Molini nos muestra su verdadera cara, un sonido contemporáneo, tal vez se le podría llamar un garaje experimental donde las guitarras de Tuite se desnudan y Molini le agrega levemente por detrás motivos sintéticos. Podrán bien darse cuenta de esto en el tema "Dan Cortez" por ejemplo, y que así es como sigue finalmente el álbum. 
Poca info pude encontrar de  este dúo que se formó en Nueva York y que se deja acompañar rotativamente por amigos para complementar lo que sería la batería y etcéteras. Lo que sí noté, es que "Guilty" no es su primer disco, si no el tercero y que podría decirse que van muy bien encaminados. Otro secreto ha sido revelado.

Claudia Venegas Hartung.






Eadem Mutata Resurgo
585205 records, 2015

Proyecto mutante de Mariana Saldaña, José Cota y Seth Nemec, más que una banda, 3 amigos que se juntan para intervenir máquinas y sintes de sonido 80s' en una forma de diversión extraña con letras pensantes y a la vez sugerentes.
"Eadem Mutata Resurgo" viene a ser un compilado de sus grabaciones entre 2007 y 2009 desperdigadas en variados EPs' y sencillos, la gracia de este trabajo es apreciar sonoridades desgarbadas que se mueven a través de una maraña casera que no deja de hipnotizar por su fragilidad, como unos Kraftwerk malsonando mezclados con unos Stereo Total de baja fidelidad, de todas maneras encontramos temones como "17 años" con esas letras en español (la mayoría) guardan una historia de amor cruzada por la muerte y el abandono. Son Medio Mutante un artefacto básico y subterráneo que se mueve con instinto a través de las ruinas sonoras que han quedado tiradas frente a este presente bestia que no deja pensar. 
Definitivamente menos es más, 3 muchachos de origen latino afincados en gringolandia que se ríen ante una audiencia que baila entorno a estos trazos musicales sin entender una palabra... latigazos, golpes, fantasía y ese toque casi infantil que logra cautivar mientras estiran el elástico lo-fi.
Estos mismos nombres los encontrarás bajo otros alias tan variopintos como //TENSE//, Boan o Low Red Center. 
Los relámpagos de los mutantes son grandiosos, ritmos, maneras, razones... me tomo el ácido.

Raúl Cabrera Hidalgo.






The Shiver Of The Flavor Crystals
mpls ltd, 2015

Algo importante sale desde nuestro planeta Tierra. Despegados, ya en flotancia, viaje entre la ionósfera y exósfera comienzan a concretarse sonidos y atmósferas. Arrojados con "Eyes Go White", amorfismos melódicos  desde un bajo bien bajo, en mando de Nat Stensland y voces de éter que nacen de Josh Richardson junto a sus delicados y concientizados toques de cuerdas, que ya con "Antenna House" se siente cómo Flavor Crystals, cuarteto norteamericano de Minneapolis, Minnesota (EE.UU), ya se suspenden en el espacio exterior para crear “The Shiver Of The Flavor Crystals”, disco que evoca la psicodelia de los `60, pero que equitativamente se entremezcla con el shoegaze e indie rock de los `90. Sin embargo, esto es Espacial. Negro con pequeños destellos de luminiscencias, "Diamond Mine" es un dream souvenir desde su origen. Respetuosos con contención, pues en una expedición de tal magnitud, explotar no sería la mejor idea. 
Muy buen álbum, en su totalidad consta de 13 temas a los cuales hay que tomarles atención (sin dificultad), y si lo hacemos lograremos impregnarnos de este tour hacia ese “algo” que está más allá.

Claudia Venegas Hartung.







Beauty Nowhere
touch, 1996

Cuando en otro tiempo algunos músicos y audiencias pedían algo más que lo claramente identificable y archivado en materia musical, se hablaba de post rock, un estilo muy condenado en la actualidad pero que por aquellos años era huella de sofisticación y búsqueda sonora. Al final nadie entendió mucho de que se trataba esta pequeña etiqueta, pero dio cuerda a bandas realmente destacables como SCALA, que nace de las cenizas de otros que bien pintaban, SEEFEEL. Cuando Seefeel no tuvo más espacio donde respirar, Justin Fletcher, Sarah Peacock y Darren Saymour se unieron al creador de ambientes Mark Van Hoen (Locust) para hacer funcionar este armatoste a medio paso entre la IDM, el trip-hop y las cenicientas guitarras dejadas por el shoegaze. 
Sacaron 3 discos entre 1996-1998, siendo "Beauty Nowhere" su debut. Y vaya que llama la atención el volver a encontrarse con este hervidero de ritmos quebrados y vocalizaciones de sirenas, sin un hilo conductor claro (que ahora es tan necesario para algunos) estamos frente a una cabeza electrónica fractal que busca nuevos trayectos a base de experimentación libre y con la sabia mano como productor de Van Hoen, que los lleva a territorios insospechados de belleza fragmentada. Tambores maquinales junto al silencio y los susurros de Sarah que invitan claramente al viaje perceptivo, diseñan refinados trazos de electrónica arisca y clarividente, sumando impulsos y golpeteos a una atmósfera casi siempre asfixiante y baja. En la cuerda de algunos compañeros de sello como Fennesz y otros iluminados de esos años como Nearly God (rapeo lento) y Tarwater. No caeré en los rebuznos de señalar que "todo tiempo pasado fue mejor", pero en materia musical hace rato que no se siente un salto al vacío como el que dieron algunas bandas en ese tiempo (Disco Inferno, Movietone, Dissolve, Bark Psychosis, O'Rang, Flying Saucer Attack, Gastr Del Sol), cuando lo experimental iba conectado a una manera lúcida de encausar la creación misma, algunos encontraron nuevas tierras donde hospedar otros sencillamente el silencio. Nos queda solo bailar.

Raúl Cabrera Hidalgo.






The҉ Śun ͟Rem̷ai̸ns ̛T̀he S͘am̀e̵
fougére musique/aloardi/urbanoide, 2015

Tan surreal como el que Perú le gané hoy a Brasil, y tan real como que sea posible, resulta el escuchar esta nueva aventura sónica extraída de la abstracta paleta sonora de Chrs Galarreta, bajo el nombre de Sajjra, titulada "The Sun Remains The Same", donde el músico peruano radicado en Europa, culpable de algunos de los actos más alucinantes de los 90s, como Evamuss, Dios Me Ha Violado y otros disparatados e inclasificables proyectos sónicos, sigue apelando al caos y el ruido como materia prima para transformarlos en arte, y demostrando estar un paso adelante en la vanguardia musical de los músicos “made in Perú”.

Algunos de los temas que forman parten de este disco, datan su concepción de la década de los 90s, pero nunca fueron grabados y su producción ha sido posible gracias a la unión de tres sellos: Fougère Musique (Francia), Urbanoide Records (Perú) y Aloardi (Perú/Holanda). Y su elegante e impecable presentación de portada (el disco solo estará disponible en formato de vinilo) ha sido diseñada y creada por el músico y la artista holandesa Lilia Scheerder.
Ahora vayamos a la música. Golpes sintéticos, corrosivos guitarrazos, agresivos “loops”, todos ellos creando sonoridades maquinales e  industriales dispuestas  a quebrantar nuestros sentidos se unen en la maciza “Metamorfosis”, imposible no someternos a sus narcóticas contusiones electrónicas, pateándonos una y otra vez los sesos. Genial pista para el inicio del breve pero sustancioso repertorio de cuatro canciones que conforman el álbum.
Sonidos espaciales y oníricos navegando sobre sugestivas mareas de guitarras acústicas flotan en la etérea “Aurora”, trasportándonos hacia otros ambientes cósmicos, más ligeros, de características del My Bloody Valentine  más introspectivo e insinuante hacia la levitación, la primera joya del disco. La escabrosa “Inocente Tortura”, nos retorna al panorama dominado por infernales, chirriantes y tortuosos sonidos reproducidos por la parafernalia electrónica ejecutada por Christian Galarreta, explotando y descargando toda su furia sobre nuestros cuerpos, además su canto sonando enajenado gracias a las distorsiones empleadas.    

El estar sentado en la orilla frente al mar contemplando cómo éste viene y va en medio de un melancólico “sunset” al final del verano, es la sensación que causa el escuchar lo cíclicos sonidos de la atmósfera lúgubre  de  “The Sound Remains The Same”, observando en el horizonte la supremacía y esplendor del astro rey, sobreponiéndose a las nubes que luchan por ocultarlo. La extensa pieza de casi medio hora de duración, que tras sus primeros nueve minutos de abrasivas repeticiones sónicas, comienzan a incursionar osciladores y otros reproductores de ruido manteniéndonos hipnotizados hasta su expiración, a pesar que el tema prosigue su estructura repetitiva y monótona sin desviarse un ápice de su curso, algo realmente intrépido y meritorio por parte del artista sonoro de estar convencido en lo que hace y persistir en su alucinada inspiración.

Chrs Galarreta con "The Sun The Remains The Same" es capaz de trasladarnos del campo al océano, de pasar de lo estéreo a lo industrial, y todo bajo una niebla de asombrosa sonoridad apocalíptica, solo como él sabe saberlo. ¿Disco del año? Muy probablemente.    

por Guido Pelaez






Además "Bajo El Umbral" la sección estrella de nuestro amigo Mosé Noé

Recuerda sintonizar El Sueño del Esquimal este sábado 28 de Noviembre a eso de las 21:00 hrs. por Radio Placeres 87.7 FM y online además.







noviembre 13, 2015

El Sueño del Esquimal #420, sábado 14 de noviembre 2015.


Mirando los cerros de Valparaíso imaginamos una nueva tierra, sonidos que aparecen, siluetas se desvanecen, un grito y vamos de nuevo en la danza. 







Moon Ate The Dark II
sonic pieces, 2015

De vez en cuando, llega un álbum que se convierte en un instantáneo remezón… Pero en vez de contarles de inmediato acerca esta gema, me parece que egoístamente estuve con este disco por meses, saboreando sus dones, como si hubiese sido hecho solo para mí. Como si solamente yo hubiese sido privilegiado lo suficiente para experimentar esta belleza…como si su temporal permanencia fuera sola para mí…Hay tiempos, sin embargo, que recibo una copia promocional, con mucha antelación de su fecha de lanzamiento, y así uso esa excusa como la justificación para mis codiciosas orejas - Quiero compartir este tesoro, pero solo cuando estén listos para escucharlos también… este es el caso con la segunda realización de Moon Ate The Dark, una vista previa de lo que había recibido tempranamente en Abril, la realización que finalmente sucedió en Julio. Es ahora, que siento, que es el tiempo perfecto para mí para escribir estas palabras.
Moon Ate The Dark me fueron revelados por  el sello Sonic Pieces en el 2012 (hace como tres años atrás, para ser exacto), como un proyecto de la pianista de gales Anna Rose Carter y un productor canadiense llamado Christopher Brett Bailey. Elogié su debut como turbio, hipnótico y humilde exploración de simplicidad reservada, música retenida y contenida.  En su seguida, meramente llamada II, el dúo crea melodías más memorables, una mezcla de elementos de instrumentos acústicos y tratamientos electrónicos dentro de un cocktail perfecto de los sonidos para enamorarse de ellos…
Mientras el piano parece como tomarse el centro del escenario dentro de ocho cortas piezas en el álbum, es la atmósfera en el fondo general que lentamente se levanta hacia el frente. Tomen por ejemplo la elongada progresión del acorde de “Verse Porous Verse” que pareciera ser eterno, en ese modo de piano continuo al estilo de Lubomyr Melnik, hasta que las notas repentinamente se caen y estamos solos parados en el escenario, rendidos por la electricidad del din que remane. El tema que abre el álbum , titulado “Bashy”, de seguro les agarrará la atención así como lo hizo conmigo- las desafinadas y amortiguadas llaves de piano, comienzan su historia con una introducción que de improviso para en una sola nota, solo para que el oyente despierte dentro del momento. Espléndido!
Si esta es tu primera vez descubriendo Moon Ate The Dark, estás de suerte, porque, en suma a la edición de disco compacto, el sello hizo una corrida doble limitada, que comprende su disco debut homónimo y éste que lo sigue. Por supuesto pueden comprar el CD separadamente, pero por todos los medios, si vas a hacer una lista de compras para este año, asegúrate de que esté este álbum. Altamente recomendado para fans de Otto A Totland ( también traído para uds por Sonic Pieces), Nils Frahm (también Sonic Pieces) y Ryan Teague (ehm..sí adivinaste… Sonic Pieces). Mis agradecimientos especiales a Monique Recknagel, la jefa del sello y curadora, por continuar recordándonos porqué la música como ésta es una buena razón para vivir…





A GRAVE WITH NO NAME
Feathers Wet, Under The Moon
lefse, 2015
Siempre será un privilegio acompañar a través  de un lejano mp3 o un adorado disco tangible, melodías, que con una simple cachativa nos hacen cómplices de las evoluciones o procesos de la vida  con que las llevan a cabo sus autores, donde el ánimo es capaz de transmutar la creación. 
A principios de este año nos adentramos al trabajo de Alexander  Shields, cabeza creativa de A Grave With No Name , que nos mostró atmósferas, ruidos con voces suaves y desmenuzadas dentro de un ámbito lo-fi, dream pop y shoegaze. Este año algo sucedió, tal vez una americanización o simplemente nostalgias. Lo que sí creo, es que en esta ocasión, este británico se dejó llevar más que por un estilo musical, se fue en lo “íntimo”, a su propio ritmo, algo lento en melodía, pero siendo él, rápido en composición.  Personalmente, me llevó un tiempo en acomodarme y hacerme la idea del cambio de switch para comenzar escuchar el disco en su totalidad. Finalmente me sorprendí, ya que fue capaz de tranquilizarme en un momento de ruido mental. Una suavidad que no te alcanza a aburrir y querer parar el disco, si no más bien, dejarlo continuar hasta el final. Es cortito de todas maneras.
Claudia Venegas Hartung.






A Line That Connects
handmade birds, 2015

Inspirados, motivados y en plena forma se nos presentan en esta nueva etapa los legendarios Lycia, sobrecargados con un disco de 15 canciones que van desde los ambientes calmados y etéreos hasta atmósferas más espesas y perturbadoras, un trayecto sonoro actualizado que nos muestra algo más de esta agrupación que se hiciera célebre en los 90s' por crear pasadizos brumosos y un llamado constante hacia el vacío melancólico de atardeceres. En la actualidad la banda sigue concentrada en su núcleo original, o sea Mike VanPorfleet en guitarras y voces, Tara Vanflower como hada flotando en la oscuridad con voces cada vez más encantadoras y David Galas a en la base rítmica, bajos, batería programada y otras voces.
En un comienzo "A Line That Connects" nos introduce a través de una temática espaciosa, densa y pausada, la nieve cae lentamente en cortes como "Monday Is Here" y "Silver Leaf", la guitarra de Mike destaca en ondulaciones y declives que ya son marca de la casa, el toque solemne lo pone el canto en trance de Tara que va marcando la hacienda para que la voz cargada de VanPorfleet derrame toda su oratoria mántrica.
Sin embargo, estamos frente a un disco variado y extenso que de a poco se va abriendo hacia ambientes más complejos y frondosos, en este punto destaca la base profunda de bajo y batería a cargo de David Galas músico silencioso que sabe armar bien el climax para que intervengan sus compañeros de manera cadenciosa, la placa además cuenta con la mezcla de James Plotkin (The Joy Of Disease, Flux, Khanate) personaje que conoce de estas honduras sónicas. También colaboran para este disco Sera Timms (Black Mare, Ides Of Gemini) y Michael Irwin en voces adicionales. Publica el destacado sello Handmade Birds.
Ya a partir de "An Awakening" el ruido gana terreno y se perfila como un elemento importante en este trabajo, un tema a destacar especialmente es "The Rain" con guitarras agudas como púas y una voz gotique que recuerda otros tiempos, Swans, Clan Of Xymox y lo más oscuro de 4AD saludando desde el abismo. La grisura continúa con "Bright Like Stars" y "The Light Room" y no suelta, recordándonos de donde venimos y hacia donde somos conducidos, es la misma espina, ese mágico delirio que Lycia ha sabido mantener a pesar del tiempo y las paradas. Los tenemos de vuelta y en estado de gracia, sobrecargados y con la ayuda de una nueva tecnología su música ha ganado en intensidad y expansión sonora, más allá de una simple oscuridad esto contiene un alma perturbada adentro que se sacude y retuerce para quedarse contigo de manera sigilosa y letal, como la vida misma a fin de cuentas.
Fortaleza fractal.

Raúl Cabrera Hidalgo.









Gaze Male 
castle face, 2015

Cuando comenzamos a conocer nuevos “proyectos musicales”, probablemente solemos pensar en que suenan a algo “más de lo mismo”. Podría ser que suceda eso con Male Gaze, banda de San Francisco, EE. UU, que este año sacó su LP debut denominado "Gale Maze" haciendo así como un juego de letras, que bien se expresa en lo que van a escuchar. 
Ahora todo tiene psicodelia… algo que dicen que esta banda también tiene, pero la verdad es que más se trata de puro post punk. Influencias como Joy Division y otras cosas son evidentes, que sumada  a todo los ingredientes que se han agregado en la música durante todo este tiempo,  más la experiencia musical de cada uno de sus integrantes, crean un álbum necesario para despertar!, donde la distorsión, el desorden de las guitarras y la voz de tenor oscura de Matt Jones (a lo Rozz Williams) + el compás arremetido y energético de las percusiones de Adam Cimino, sin dejar atrás el bajo imponente de Mark Kaiser , dan un resultado sin mesura de un inesperado buen ensamble. Es un disco breve que logra inyectar mucha energía, furia y frenesí. Yeah Yeah! Ejemplo de estos lo sentirán ya en su apertura con "Smog Dawn" donde de inmediato dan la pista por el camino por donde nos dirigimos  y con la desafinación de acordes y  juventud sónica de "Bridge & Tunel Vision". En síntesis, está bien bueno les diré. ..y queremos escuchar más.

Claudia Venegas Hartung. 







Recuerda sintonizar El Sueño del Esquimal este sábado 14 de Noviembre a eso de las 21:00 hrs. por Radio Placeres 87.7 FM y online además.