julio 25, 2015

El Sueño del Esquimal #415, sábado 15 de agosto 2015


Estaciones en espiral, crudeza ruidista y un vuelo nocturno entre ambientes seductores.
Regresos de otro tiempo y naves escarlatas surcando el cielo para este nuevo Sueño Esquimal.





CHELSEA WOLFE
Abyss
sargent house, 2015

Bien saben los que padecen de “Parálisis del Sueño”, lo pegado que se puede quedar con el tema. Para Chelsea Wolfe, este estado la verdad que le generó al parecer más movimiento e inspiración que pasmo. Esta chica de Sacramento, California (E.E. U.U) fue capaz de dar a luz un álbum muy personal y de peso que a nadie va a poder dejar indiferente. Su carrera comenzó con un folk del cual no quiere recordar mucho. Este 2015 se retiran esos velos negros con los que solía tapar su cara (por estados de pánico escénico), para mostrarnos el abismo, donde ella es la que gobierna. Con "Abyss" nos presenta un despegue a mil por hora de su carrera como músico, una interesante evolución, ya que no ha tenido que recurrir al pop-ulismo para darse a conocer, tal vez nunca fue su intención. Cada vez fue ennegreciendo más sus sonidos hasta llegar a un punto de suma y jamás de resta. En este disco incorpora a un equipo de músicos que le agregan atmósferas celestiales, industriales y experimentación, llevando a cabo una pieza única que le da elegancia a una escena “dark” atemporal.  Temas como "Carrion Flowers" y "Iron Moon" abren este álbum prometiendo algo distinto,  luego "After the Fall", con sus pausas, palpitaciones  y calma que rematan con un potente sonido desde los cables muy bien logrado o "Dragged Out" donde utiliza un inicio de música metal cliché que queda buenísima ahí,  y,  "The Abyss", que finiquita el disco con elegante desquicio.
Una vez que lo escuchas, quieres volver a reproducirlo una y otra vez para descubrir nuevos recovecos y decir “pucha qué buena”. Tal vez recuerdes a Pj Harvey e incluso a Björk, pero de las tinieblas (y con aspecto de Marylin Manson)…pero sacando estereotipos, es bueno escuchar este tipo de voz, que no necesita andar gritando para ser una dama empoderada, y eso se echa de menos a veces.

Claudia Venegas Hartung.








LOOP 
Array 1
ATP recordings, 2015


Cuántas veces se cruzan el mito y la realidad en nuestras sencillas urbanidades? Bastante no?
Así es como en la música a veces vamos flotando entre estos puntos de manera constante y muchas veces sin entender demasiado lo que sucede. Por ejemplo ahora nos encontramos con LOOP, verdadero estandarte del sonido psicodélico británico de fines de los 80s' (que alguien se atrevió a re-bautizar como space rock), y tuvieron que pasar 25 años para que la banda de Robert Hampson pisara tierra firme y grabaran algo de ruido nuevamente. 
Fue en 1990 cuando luego de la aparición de su tercer álbum "A Gilded Eternity" (Situation Two) que Hampson diera por fenecida la agrupación y se concentrara en la escafandra cósmica de Main su nuevo proyecto por aquel entonces, no sin antes conectar con Justin Broadrick de Godflesh en aquel 7" titulado "Loopflesh/Fleshloop" (Clawfist, 1991), cito esta comunión con Broadrick por que se me hace que tienen carreras hasta cierto punto parecidas, es decir vienen de una vieja escuela que experimentaba con el ruido en tiempos donde esto no era bien visto o simplemente carecía de rédito comercial, el tiempo ha hecho justicia y todos aquellos trabajos sonoros en la actualidad son de culto y re-editados con bombos y platos.
Por todo esto grande es la sorpresa al encontrar a estos dinosaurios vanguardistas de nuevo en el ruedo, para bien o para mal, Loop será siempre una de esas referencias que dejaron bien marcados sus territorios.
"Array 1" (vendrán más?) es una pieza sonora que consta de 4 cortes, partiendo con "Precession" tema de riffs enegéticos bien manipulados tecnológicamente para la ocasión, más cercano al sonido de bandas como Jesu (otra vez Broadrick) que con el recuerdo de los propios Loop, pero no está mal han sacado esa bruma espesa de droga para entregar un ruido más pulido de cierta manera. Quizás es en el segundo corte "Aphelion" es donde lamen el azúcar viciosa de antaño, en algún punto el músico ya maduro pasado los 50 años digo encuentra en el sonido más estudiado una nueva forma de encarar su creación, cosa que pasa también con los últimos discos de Wire por ejemplo (reseñados más abajo).
Bueno y para no ser menos Hampson entrega "Coma" un mantra space-ambient de 7 minutos que remite directamente a Main su otro alias sónico, puro ruido blanco estático que deja más preguntas que certezas. Para el final se guardan la extensa "Radial", 17 minutos de placer auditivo que viaja entre esos dos puntos que al comienzo de esta reseña señale mito-realidad y ficción-creación. Se cuelgan de un drone espacial dilatado para luego aparecer como unos Loop 2015 muy contundentes apañados por esa rítmica krautrock que no han perdido, pasando por todas las estaciones me atrevo a decir que este tema final es lo mejor de esta placa corta, siguen experimentando y aportando texturas de acople en este vuelo de cosmonautas avezados, el tiro largo les sienta bien y pudo haber sido más quizás.
Solo queda esperar para ver si el algún momentos nos volvemos a desdoblar.

Raúl Cabrera Hidalgo.








RULE OF THIRDS
Rule of Thirds
mass media/no patience, 2015

Vivir cerca de un cementerio e ir recogiendo flores plásticas tiradas de allí, puede ser una práctica fuente de creación, para realizar la portada de un disco, y qué mejor si además se trata para una banda gótica post punk. Así lo hizo Celeste, artista visual y guitarrista de la banda Rule of Thirds y le quedó bastante bien.
Ya en el 2012 y 2013 este sexteto de Adelaida, Australia había grabado un Demo y un EP respectivamente, pero es este año en que se embarcan a realizar su primer disco homónimo de larga duración. Al iniciar la escucha de este trabajo nos percatamos de inmediato con su primer tema "Any Warpor" dónde vamos dirigidos. Sonidos británicos de principios de los `80, mujeres en blanco y negro, cabellos escarmenados teñidos de azabache, delineador, labial, todo negro y una voz brujeril de la cual se encarga Freya, nos da la libertad de hacer un pogo mental. Álbum que se ha presentado ya en gira por Norteamérica y que obtuvo buena recepción de la audiencia gringa. Así es el comienzo de Rule Of Thirds, nombre que no tiene nada de intencional con Death In June y su disco del 2008 que lleva el mismo nombre (pero con “The”), sino más bien con los números de Fibonacci. 
Sería bueno escuchar más de ellos para que nos sorprendan, es un disco que gusta, pero que no innova. Me quedo con las pailas auditivas bien abiertas. Esperar.

Claudia Venegas Hartung.








THE SOFT MOON
Deeper
captured tracks, 2015

Con dos obras en el mercado orientadas a los ritmos cabezones, The Soft Moon marcaron un estilo propio y muy sugerente pero Luis Vasquez ha decidido aflojar el pedal para darle más espacio a la composición.
Más sutil, más suave, más cantado, este nuevo disco podríamos ponerlo en las estanterías junto a los de Trent Reznor y Gary Numan. Buscando climas inquietantes, algún que otro momento de pop gótico y contadas incursiones en la pista de baile, "Deeper" recrea un ambiente amablemente desapacible. 
Muy logrado, pero es muy probable que ya lo hayas escuchado en los 90.

por Raúl Rey 








WIRE
Wire
pinlflag, 2015

“People said we were mysterious, arch and dark. But the only way of doing that successfully, is by also having a sense of humour. You have to have that balance”, dice Graham Lewis en la web oficial de Wire y no hay razón alguna para llevarle la contra. En apenas una oración -un detalle que decora la presentación de su más reciente álbum-, aquél bajista, que luciera un corte de pelo digno de un héroe rockabilly y hoy esconde su cabeza bajo una discreta boina, resume toda la historia del grupo británico. Desde el chiste minimalista más grande de toda la historia (el inoxidable Pink Flag de 1977, que mejora con el paso del tiempo) hasta la ironía en el disco homónimo que acaban de lanzar, que también se marea en la oscuridad.

Wire, en este 2015, deja ésta y varias certezas más: que se puede ser darkie sin necesariamente ser serio; y que los años pasan, pero las cenizas quedan. Pregúntenle sino a Colin Newman, la voz detrás del micrófono principal, cuyo timbre nervioso pasó a convertirse en una migraña constante con la que hay que batallar de forma continua. Ya no existe lugar para la demencia vocal de “Mr Suit” o los coros de hooligans borrachos en “Mannequin”, y mucho de esto tiene que ver con la maduración (otro poco con la búsqueda a través de proyectos paralelos y similares, como fue Githead). Pero también es cierto que el propio Newman -al igual que Lewis, con sus letras cínicas- deja su marca indeleble, aunque mute en mil formas distintas. Por eso, si Wire es lo que es, es por ellos dos. Y punto.     

De cualquier manera, no hay que ser muy iluminado para corroborar esta sensación. En “Blogging” recrudecen la simpática crítica al Brave New World que tenemos a mano con frases mordaces (“Blogging like Jesus / Tweet like a Pope / Site traffic heavy / I'm YouTubing hope”, casi el mismo juego que proponía, salvando las enormes distancias, Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota al hablar de Pepsi inyectable y Adidas digitales en “Nuotatori Professionisti”) y en “Shifting” recuperan los mejores momentos de 154 (1979), sin caer en la tentación de repetirse. Apenas un paso adelante están la rapidísimas “In Manchester” y “Joust & Jostle”, de lo mejorcito del disco, con una receta probada: guitarras al frente y batería sincopada. 

El golpe bajo, cuya intensidad seduce e hipnotiza, llega más tarde, con la apagada “Sleep-Walking”. Sólo un espejismo a mitad de camino, porque el resto del disco satura con tracks que dejan ver, otra vez, la marca de agua de Wire -“Split Your Ends” o la enfermiza “Octopus”-, cerrando un más que aceptable regreso a las bateas de parte de uno de los grupos más subvalorados de la historia.

por Augusto Dallachiasa






Escúchanos esta noche de sábado 8 de Agosto por Radio Placeres 87.7 FM desde Valparaíso a eso de las 21:00 hrs. y además online por radioplaceres.cl.






julio 01, 2015

El Sueño del Esquimal #414, sábado 11 de Julio 2015.



Aquí estamos otra vez a mitad del tiempo entre el pasado desconocido y el presente devastador, añadidura de los tiempos en busca de los futuros sueños esquimales. 
Ahora hablamos en lenguas.






VELÓDROMO
Velódromo EP
independiente, 2015

El joven cuarteto santiaguino Velódromo estrena su primer EP publicado en Abril por su propia cuenta, cuatro canciones que se desplazan a través de un paraje sónico bien agradable, partiendo por la inductiva "Atila" sonido cargado que nos lleva por un sube y baja de ruido sugerente al que se adhiere la voz de Bárbara PDA (bajista además), algo así como un coral envuelto entre bruma o neblina, destaca el interesante despliegue de guitarras de Sebastián Gaete y Gustavo Von Dem Bussche junto a una base rítmica espesa (baterías a cargo de Alejandro Riquelme) que los acerca en algo a las atmósferas post-rockeras. Luego aparece "Gémini" el primer tema que dieron a conocer y claro podríamos decir que es algo más dreamy, moviéndose en un intenso espiral de pausas y arrebatos que nos transporta hasta la cuna Creation Records de Alan McGee, se puede hasta bailar y no sueltan la cuerda en "Quisiste Ver" algo más expansiva, susurros que vienen y se alejan creando un manto narcótico que logra capturar nuestra atención. Cierran con "Catedral" paisaje intimista que no pierde nunca la fuerza expresiva que contiene la banda, en este caso con la voz calmante de Sebastián, se dibujan figuras, formas y pulsaciones a través de este trayecto intenso y de ambientes densos, contiene identidad traspasando las consabidas influencias del entorno actual, en este punto me parece un trabajo más noise-pop (como se decía antes) que shoegaze y me ha traído a la memoria el sonido de algunas bandas olvidadas de este lado del mundo como Sien, Tercer Subterráneo, Suárez y los primeros Christianes. Dale una vuelta ya están dando harto que hablar.

Raúl Cabrera Hidalgo.








THOUGHT FORMS
Ghost Mountain
invada, 2013

Cada persona tiene su propia percepción de cómo un disco puede llegarnos y el significado que éste puede tomar en nuestra existencia. Es por esto que no quiero exagerar. 
Es en el año 2009 cuando Invada Records saca a la luz a Thought Forms (en la foto superior), una banda de tres chicos provenientes de Wiltshire, Inglaterra, los que mediante melodías melancólicas elaboradas con guitarreos profundos y ruidosos que a ratos progresan llevando  las notas al límite, bosquejaban una noche estrellada, sí, tal cual. 
Era el 2012 cuando Charlie Romjn, Deej Dhariwal y Guy Metcalfe deciden concentrar sus ideas y llevar a cabo una pieza maestra con forma de montaña sagrada, el resultado, "Ghost Mountain” , un trabajo realmente impactante donde se agrega rudeza, a ratos rememorando sus atmósferas quejumbrosas de su placa anterior. Acá hay añadidura de voces etéreas  tanto de Charlie y Deej siendo ésta la que le da el toque femenino, conceptualizando una especie de misticismo tibetano. Así se va tejiendo una trenza donde se intercala una oscura psicodelia rural junto a temas que incorporan letras cantadas y estilo sónico noventero. Si lo escuchas en soledad, ya sea en una habitación o en tus caminatas hacia algún lado con tus audífonos, ponle volumen  y te llevará en un viaje donde el placer entra por los oídos, cada vez nos parece ser más interesante y no querremos despegarnos de él.

Claudia Venegas Hartung.







MARCHING CHURCH
This World Is Not Enough
sacred bones, 2015

Cuando escuchamos a Elias Bender Rønnenfelt cuesta un poco separarlo de Iceage, pues su voz es demasiado característica, sin embargo, a este chico de Dinamarca se le ocurrió hacer su proyecto en solitario que finalmente resultó siendo una banda aparte: Marching Church. Entre sus inspiraciones nombra a James Brown y Sam Cooke, pero nos recuerda un tanto más en estilo o canto a Nick Cave o a un Julián Casablancas agregándole una garganta de graznidos desaforados. No sabemos si realmente nos está tomando en serio como auditores con esa parada de soberbia, excitación y caos a la vez, creyéndose “el rey de la canción”. Al parecer el mundo no le es suficiente…bueno, pero a quién si? Dejémoslo como un sexy art rock. Podría gustarte.

Claudia Venegas Hartung.








DVA DAMAS
Wet Vision EP
downwards america, 2015

Han pasado casi dos años desde que DVA DAMAS lanzó su espectacular "Nightshade" a través de Downwards America, lo cual hasta cierto punto me estaba dando un poco de ansiedad debido a que no sabía si realmente estarían lanzando un nuevo LP en un corto lapso. Sin embargo, este año estarán regresando con un pequeño EP de cuatro canciones con el nombre de "Wet Vision", las cuales ya habían estado circulando en la red por medio de vídeos en vivo, así que lo más probable es que ya más de uno de ustedes se sienta familiarizado con la versión de estudio del corte que le da nombre a este EP, el cual estará siendo lanzado a finales de febrero con Downwards America. Algo que cabe mencionar de este track, es que a diferencia de lo que nos mostraron en "Nightshade"; aquí DVA DAMAS expone un lado mucho más estructurado y complejo con el que se dan el lujo de hacer canciones de 6 minutos. Y más ligado a una especie de dub espectral para una pista de baile viciada y nocturna.

desde








LOS JAIVAS
Obras de Violeta Parra
CBS, 1984

Hasta hace algún de tiempo no hubiese pasado por mi cabeza  reseñar un disco de Los Jaivas, lo asumo, no por una especie de desaire ni nada por el estilo, estaba en otra.. consumido quizás por afanes estilísticos que tienen más que ver con el claroscuro que con una búsqueda a través de nuestros sonidos más cercanos.
Pero como todo tiene su vuelta hoy me enfrento a este discazo y escuchándolo pienso: pucha que hace falta rescatar estos trabajos grabados en tiempos oscuros de dictadura lo que los hace aún más necesarios, cuando no había nada ni nadie Los Jaivas desde su auto-exilio en París nos entregan su mirada a la obra germinal y rupturista de la Violeta, lo hacen desde su visión musical técnica, depurada y progresista, se sumergen con sinceridad por una creación radical y social, aún con todos los hermanos Parra (percusiones totales por Gabriel Parra) y con la voz del Gato Alquinta en estado de gracia en la misma órbita del anterior "Alturas de Machu-Pichu" (1981).
Lo que encontramos en el interior de estas composiciones en un fuerte componente de conexión con la tierra, la naturalidad americanista que brota innata desde temas como "Mañana Me Voy P'al Norte" sonido andino profundo eléctrico, difuminado por desarrollos extensos donde experimentan y enlazan su sonido con estas composiciones austeras y trascendentales. Cómo no citar la demanda de un tema como "Y Arriba Quemado El Sol" más actual que nunca con esa letra dura y realista: "Paso por un pueblo muerto, se me nubla el corazón, pero donde habita gente la muerte es mucho mayor, enterraron la justicia, enterraron la razón. Y arriba quemando el sol."
Frases que duelen dentro de una historia nefasta, dónde quedamos frente a todo esto?, dónde quedó esa espiritualidad sencilla?, ahora inmersos entre luminarias y carreras por el éxito, queda la idea de haber perdido algo más que haber ganado un supuesto "avance tecnológico" por decir algo, quiénes somos ahora, vale la pregunta.
Otro de los momentos intensos del disco es "El Gavilán" estructura rugosa creada por Violeta Parra en sus últimos años, incluso se podría decir que esta canción podría ser el primer acercamiento chileno al noise experimental en la interpretación de Violeta, Los Jaivas sin embargo la esculpen de manera delicada que igual guarda el cuerpo melancólico de la obra, se agranda con la batería de Gabriel Parra y con una instrumentación refinada que no pierde intensidad ni desgarro en ningún momento, solo la actualizan para un pueblo sumergido en las garras del dictador. Hay que recordar que estos discos no eran fáciles de encontrar en esos tiempos, quizás te llegó de golpe por algún pariente disidente del régimen o un abismado musicólogo. Recuerdos que flotan a través de charangos, zampoñas, quenas y pianos.
Para reafirmar toda esta idea invitan a Isabel Parra a cantar "Un Río De Sangre" la muerte de un poeta en manos de la violencia sin razón, de todo esto sacamos más allá de la política -que a más de alguien podría afectar- que nos encontramos frente a uno de esos discos grandes que solemos desdeñar con indolencia pero que llevan consigo la particularidad de nuestra esencia y vivencia, alejados de la camisetas rojas dan ganas de volver al campo por decir algo, la urbanidad no debería estar lejos, pero hasta cierto punto nos hemos adormecido frente al ritmo compulsivo y la banalidad del reggaeton y la bachata, quiénes eramos habría que volver a preguntarse. Más mejor ahora perderse en "Los Jardines Humanos" y ya basta de tanta silueta. 
Violeta Ausente.

Raúl Cabrera Hidalgo.







También para esta ocasión tendremos los envíos de Julio Lamilla desde Buenos Aires con "Aires con Sabor a Ruido" y otras sorpresas más, escúchanos este sábado 11 de julio a eso de las 21:00 al aire por Radio Placeres 87.7 FM desde Valparaíso y ONLINE para el resto de este y los otros mundos.







junio 12, 2015

El Sueño del Esquimal #413, sábado 13 de Junio 2015


Nuevamente nos encontramos acá, El Sueño del Esquimal vuelve a las andanzas como costra que no sale con matico, esperamos entregarles cada semana otros ruidos que se queden pegados a tus tímpanos de hielo.





FLORES DE BACH
El Ruido del Mar
recolector, 2015

Desde Valparaíso el cuarteto Flores de Bach formado por Felipe Ugalde (voz y guitarra), Felipe Valdivieso (voz y bajo), Franco Milesi (batería) y Antonio Duarte (guitarra y sintetizadores) nos invita a visitar su primer disco largo luego de varias aventuras en formato corto, la verdad es que "El Ruido del Mar" brilla de manera especial, su música ha ganado en todo aspecto, los temas se pasean por esa esencia sugerente y natural desde las letras hasta el sonido silvestre en este caso reforzado por una producción lustrosa a cargo de Pablo Rivas y Bernardo Naranjo en los estudios SusurroEnsordece y publicado por el sello Recolector.
Los tres primeros cortes del discos son inapelables y cargados, además con salida pop y melodías que los hace hits en potencia y que desde ya deberían estar sonando en cualquier radio que se respete a si misma y quiera entregar una música pura y verdadera a su audiencia (a veces quedan pocas). Entrañables como en "Super Espacial" y esa letra aleatoria que invita a salirse de los moldes pre-establecidos, el sonido del mar se hace presente aliado a una interesante conexión con la natura que reafirman a cada paso, la incorporación de teclados expansivos suma sin aspavientos y abre nuevas ventanas para su creación como en el tema que da nombre al disco "El Ruido del Mar", olemos otros paisajes sintiendo la noche y hasta el frío de estas temporadas invernales, ambiente porteño y caminatas sin rumbo a través de la costanera.
Mientras avanzamos por el disco nos queda de manifiesto que la banda se encuentra en un momento más que especial de su carrera el que ha quedado impregnado por los rincones de este trabajo, entre tema y tema, en los finales, puentes de unión y sobretodo en el sonido contundente y voraz por momentos, todo cuaja y logra encajar en su escucha con cercanía, alejado quizás de las etiquetas de costumbre Flores de Bach se encuentra hoy por hoy en un centro personal como banda y esto se aprecia de forma espontánea e intuitiva, paso lento entre la grisura para luego pasar a la llovizna calmante, luces que aparecen como en "Sur" lírica y fraseo de Ugalde en plenitud "... vino blanco al amanecer y tu boca llena de miel, es el viento que llega del sur", no podía quedar mejor. 
Llegando a "Primavera" super compenetrados en su concepto sonoro, no hay pasos en falso y todo el viaje se hace muy evocador, como una linterna encendida en el paraje nocturno mostrando toda su grandeza, "3 Pajaros Negros" es vivacidad imaginativa que nos lleva hasta una especie de lugar físico aplicado en su totalidad a un ruido misterioso y espeso, muy buen momento del disco.
Para el final entregan versiones nuevas para 2 clásicos de la banda "Arbusto Negro" y "Tus Palabras" que suenan geniales luego del paso del tiempo, encontramos un peregrinaje creativo consecuente a sus inicios, fiel a toda esa sintonía naturalista que han desplegado en todos estos años, en este terreno nos quedamos y recomendamos altamente este disco a todos los que quieran despegar un poco los pies y volar a través de la bahía hasta llegar a las altas cumbres.

Raúl Cabrera Hidalgo.








BLACANOVA
Regiones Devastadas
el genio equivocado, 2015

El sexteto andaluz en este último trabajo de estudio nos sigue demostrando su capacidad de llevarnos a la oscuridad, de la sórdida, esa que viene de la raíz, la real. Con esa contención que caracteriza a las cálidas voces, casi susurradas de Inés y Armando y con la potente explosión de la banda en su totalidad. En este disco se perciben diferentes armonías y también recuerdos de las antiguas, las que de inmediato nos transportan a escenografías imaginarias. Un shoegaze que nos recuerda que los teclados de The Cure y desarrollos melódicos de Slowdive nunca morirán. A pesar de esto no dejan de ser ellos mismos. 
Blacanova tienen su sello propio plasmado, logrando ser, por qué no potenciales influyentes en la música venidera.

Claudia Venegas Hartung.








A PLACE TO BURY STRANGERS
Transfixiation
dead oceans, 2015

No es extraño que desde una meca como Nueva York sobresalga una agrupación que suene a nobleza británica. Mas ¿Qué hay de importante en ella? Más que tener  un sonido “noise” y dejos de The Jesus And Mary Chain que prevalecen  en aquellas tierras por algún tiempo dominadas? 2007 es el año en que lanzan su primer disco homónimo (tradicionalismo).  A Place To Bury Strangers nos hacen poner atención en esto, sin embargo, luego de haber sacado dos discos más de estudio, haber pasado incluso por Chile, es donde aparece "Transfixiation", su última placa, en la que Oliver Ackerman potencia aún más sus pedales de elaboración propia, para dejar en claro que ellos son los que dominan, que más que hacer ruido, son agresivos y abrasivos. Mas se trata de una agresividad que no violenta, más bien, que agrada. Y eso no es poco.

Claudia Venegas Hartung.








BLACK MARE/LYCIA
Low Crimes/ Silver Leaf
magic bullet, 2015

En la corriente musical oscurantista nunca hubo un meandro más congelado y letal que el sugerido por la banda de Arizona Lycia, dúo formado a fines de los 80s' por Mike VanPortfleet (Bleak) y Tara Vanflower, ellos esculpieron piezas sombrías de estática fatal pero a la vez realista, sin ropajes, sin falsos lamentos, se trata de un sonido que llega desde la negrura inherente a la existencia misma del ser y sus complejidades, como una falla que viene con uno desde el parto para vivir una vida relegada a la evasión y el descontrol. siempre con esas guitarras etéreas y lentas de Mike cubriendo el hielo más oscuro, así salieron discos como "Cold" (projekt, 1996) y "Estrella" (projekt, 1998) que se convirtieron en el manto para una pequeña audiencia de gente atormentada y silenciosa. El viaje del tiempo hizo que Lycia se extinguiera como esas buenas fuentes que no pueden prevalecer ante el vaciamiento global generalizado por las masas, por todo esto quizás el entusiasmo retorna al ver que casi como un suspiro reaparecen a partir de 2013 con el álbum "Quiet Moments" (handmade birds records) y ahora con este split junto al proyecto de Sera Timms, Black Mare el que nos hemos prodigado en mostrar en el reducto esquimal.
La conexión de ambos sonidos es coherente como una cuerda que gira y se expande a través de la pausa y la rigurosidad de una música que sin dudas va mas allá de las sombras para sacudir un presente anodino y complaciente en materia musical, pocos se atreven a cruzar la línea muchas veces, sin embargo acá encontramos todos esos paradigmas deformados y retorcidos nuevamente y vaya que se disfruta volver a tropezar con pasajes de sonido mustio y maloliente, letanías flotantes que atrapan el inconsciente y nos trasladan hacia un pasado gris, bello y oscuro. Amén.

Raúl Cabrera Hidalgo.






Escúchanos a eso de las 21:00 hrs este sábado 13 de Junio a través de Radio Placeres 87.7 FM desde Valparaíso y también online.




marzo 01, 2014

El Sueño del Esquimal #380, sábado 1 de Marzo.




Les invitamos a un viaje por ambientes intensos y voces cargadas, un recorrido por sentimientos de emergencia que parte en Austria con el proyecto de Anja Plaschg, Soap&Skin y su EP "Sugarbread" (PIAS, 2013), desgarro orquestado adornado muy bien por su voz expresiva y sincera. Luego cruzaremos por la señal intervenida entre Londres y Madrid con el dúo Amor de Días, Alasdair MacLean (The Clientele) y Lupe Nuñez-Fernandez (Pipas) nos muestran algo de su relación en este segundo álbum ""The House At Sea" (merge, 2013), donde el folk, la bossa y el twee pop se acarician de manera perfecta.
Y desde la dulzura pasamos al estremecimiento con un proyecto de Nueva York llamado Pharmakon (foto superior), alias de la joven Margaret Chardiet que nos presenta su disco debut "Abandon" (Sacred Bones, 2013) , la cara opuesta a la inociencia soportada por ruidismo electrónico, Drone y voces guturales, excelente trabajo que de ante mano recomendamos para los que gusten merodear abismos experimentales.
También como todos los sábados nos acompañará la capsula cinemática de José Miguel Lagos "Radio Cinema" siempre entregándonos bellas sorpresas tomadas desde el séptimo arte, en esta ocasión con la banda sonora de la película "Precious" (Lee Daniels, 2009).
El clima se va volviendo frío y para esto no hay nada mejor que escuchar a Low (foto inferior), banda de Duluth formada por los esposos Mimi Parker y Alan Sparhawk que el año pasado han sacado un nuevo trabajo, "The Invisible Way" y vaya que todavía encantan con sus canciones pastoriles de alma oscurecida, luego de su colaboración con Swans para el disco "The Seer", han salido fortalecidos y como en sus mejores años nos logran estremecer con lentitud y vocalizaciones refinadas.
Otro que aparece por estos espacios polares es el Sr. David Tibet AKA Current 93, que se ha sacado un discazo para estos primeros meses de 2014, "I Am The Last Of All The Field That Fell" se denomina su nueva producción, continuando en su búsqueda musical y literaria que se mueve entre lo sensorial, lo religioso y lo esotérico, un universo propio que en esta oportunidad cuenta con las colaboraciones de Antony Hegarty, Bobbie Watson y nada menos que Nick Cave haciendo voces entre el micro-cosmos sonoro y la plegaria alucinada de Current 93, recomendado por supuesto, una vez más.
Para el final les dejamos lo nuevo de Matt Elliott (ex-The Third Eye Foundation), músico inglés afincado este último tiempo en Francia, donde ha dado cuerda a su lado más folk y bohemio. "Only Myocardial Infarction Can Break Your Heart" (ici d'ailleurs, 2013) se denomina este placa de canciones que hablan sobre pérdidas, abandono y desolación. Intensidad minimal que logra traspasar el tiempo y las distancias.
Y eso será este Sueño Esquimal #380, escúchanos como siempre desde las 21:00 hrs. por Radio Placeres 87.7 FM. 

Para los rezagados también colgado desde ya en nuestro SoundCloud.

Hasta una próxima entrega.






enero 24, 2014

El Sueño del Esquimal #376, sábado 25 enero 2014




Amigas y amigos de Radio Placeres y El Sueño del Esquimal, les informamos que regresamos al aire luego de 1 año de hibernación. Y lo haremos con una descarga de ruido y ambientes más que especiales; por ejemplo escucharemos el nuevo trabajo de los daneses Iceage su disco "You`re Nothing" (escho, 2013), junten agua.
También repasaremos el sexto disco de estudio de los nacionales Congelador, "Cajón" que fue lanzado como libre descarga por un mes por Quemasucabeza, se trata de un disco experimental y salvaje que nos lleva de vuelo hasta las primeras grabaciones de Congelador, ese ruido redentor.
Y como siempre El Sueño del Esquimal hunde su mirada en tiempos pasados para re-traer discos perdidos y agrupaciones extrañas que han captado nuestra atención y entusiasmo, eso le adelantamos que para esta nueva temporada tenemos un cargamento de discos antiguos que compartiremos por las ondas esquimales. En esta ocasión programaremos a los míticos Suicide, la banda de Alan Vega y Martyn Rev que desde Nueva York revolucionaron el sonido underground con esos teclados industriosos y los alaridos clásicos de Vega, todo un manjar su disco "Suicide, The Second Album" (ZÉ, 1980). Más el compilado "Feminine Squared" (dark entries, 2013) del dúo de Chicago, Algebra Suicide, o sea suicidio x 2, jajaja. No, Algebra Suicide fue una banda que funcionó entre los años 1982-1994, con los críticos poemas de Lydia Tomkin y el sútil minimalismo sonoro de Don Hedeker en las guitarras y teclados, una de esas bandas ocultas que de inmediato lo dejan a uno prendado entre los 80s' y los 90s'. 
Y algunos otros discos que han ido apareciendo este último tiempo, escúchanos mañana desde las 21:00 hrs. por Radio Placeres 87.7 FM para Valparaíso y online para el resto de este y los otros mundos.
Regreso Esquimal.

Saludos.


María José Barba Martinic

Raúl Cabrera Hidalgo

El Sueño del Esquimal










diciembre 20, 2012

ESDE / 50 LPs' para 2012






50 – BOY FRIEND
Egyptian Wrinkle
(hell, yes ! records)
49 – LAKE R▲DIO
Dream House
(endless field)
48 – LED ER EST
The Diver
(sacred bones)



47 – RAIME
Quarter Turns Over A Living Line
(blackest ever black)
46 – THE MAGNETIC FIELDS
Love At The Bottom Of The Sea
(merge)
45 – HILDUR GUÐNADÓTTIR
Leyfðu Ljósinu
(touch)



44 – KLAUS & KINSKI
Herreros y fatigas
(jabalina)
43 – LANDING
Landing
(geographic north)
42 – LAU NAU
Valohiukkanen
(fonal)



41 – ROBERT HAMPSON
Repercussions
(editions mego)
40 – NEIL HALSTEAD
Palindrome Hunches
(brushfire)
39 – ANIMAL COLLECTIVE
Centipede HZ
(domino)



38 – MIRRORRING
Foreign Body
(kranky)
37 – CULT OF YOUTH
Love Will Prevail
(sacred bones)
36 – HOSPITALITY
Hospitality
(merge)



35 – KANE IKIN
Sublunar
(12k)
34 – BARBARA MORGENSTERN
Sweet Silence
(monika enterprise)
33 – PURITY RING
Shrines
(4AD)


32 – THE CARETAKER 
Patience (After Sebald)
(history always favours the winners)
31 – HOLY OTHER
Held
(tri angle)
30 – HOLOGRAMS
Holograms
(captured tracks)



29 – THE BOATS
Ballads Of The Research Department
(12k)
28 – AND ALSO THE TREES
Hunter Not The Hunted
(self-release)
27 – LOVESLIESCRUSHING
Shiny Tiny Stars
(handmade birds)




26 – CAT POWER
Sun
(matador)
25 – DOMINIQUE A
Vers les lueurs
(cinq7)
24 – THE SOFT MOON
Zero
(captured tracks)




23 – BRIAN ENO
Lux
(warp)
22 – CHROMATICS
Kill For Love
(italians do it better)
21 – LIARS
WIXIW
(mute)




20 – MONOLAKE
Ghosts
(monolake/imbalance computer music)
19 – HELM
Impossible Symmetry
(PAN)
 



18 – LAUREL HALO
Quarantine
(hyperdub)
17 – SPIRITUALIZED
Sweet Heart Sweet Light
(double six/fat possum)




16 – BLACK DICE
Mr Impossible
(paw tracks)
15 – JOSEPHINE FOSTER
Blood Rushing
(fire)




14 – BVDUB
Serenity
(darla)
13 – TINDERSTICKS
The Something Rain
(constellation)




12 – LAETITIA SADIER
Silencio
(drag city)
11 – SUN KIL MOON
Among The Leaves
(caldo verde)




10 – MEMORYHOUSE
The Slideshow Effect
(sub–pop)

" ...podrían quedar como la pareja del año, justamente por esa comunión que irradian sus composiciones, él la mira mientras ella y sus cabellos viajan entre vocalizaciones desnudas y destellos de intimidad, cada canción es como un joya secreta, "The Slideshow Effect" no tiene puntos bajos, podría definirse como una nevada que da paso a la temporada floral, la belleza que cruza las estaciones, los detalles que separan a la pureza sincera frente a cualquier guiño comercial y oportunista, Memoryhouse da nuevo aliento a ese pop soñador, pinceladas y latidos de una realidad atesorada en la calma, la vida que pasa lenta llevándonos con ella presos." (more)






09 – GODSPEED YOU! BLACK EMPEROR
'Allelujah! Don’t Bend! Ascend!
(constellation)

" ...casi un plano de ambient-drone que sangra por sus cuatro esquinas, desde atrás se sumergen las guitarras entre vibraciones y ecos, golpes metálicos, abstracción, RUIDO, corrientes internas presurosas por escapar en el remanso terminal que despunta en la orilla. De seguro lo grabaron todos juntos en directo, a la vieja usanza, se puede notar por los movimientos, ondulaciones y retornos. Estamos frente a un discazo, uno de esos trabajos que no terminan nunca de  re-descubrirse, de fascinar." (more)





08 – MARIA MINERVA
Will Happiness Find Me?
(not not fun)

""Will Happiness Find Me?" Es un disco difícil, si bien MM nos muestra al principio su cara más amable, su ejercicio en electrónica se va volviendo más oscuro y complejo a cada paso, con temas como "Perpetual Motion Machine", dónde el espectro sonoro se vuelve impenetrable y alcanza niveles de interpretación muy personal que la ponen camino a la vanguardia." (more)





07 – JULIA HOLTER
Ekstasis
(RVNG Intl.)

" ...magnetismos y vibraciones explorando confines creativos que llevan a Holter a transitar texturas de centurias, narrativas o teatralidades diversas y ricas evocaciones, a ligeras aproximaciones exóticas (lógica influencia de Pashupati nah Mishra) y a retar un ejercicio de vinculación y superación intelectual y emocional hacia una experimentación pop (muy en la línea de Laurie Anderson, Robert Ashley, Meredith Monk o Arthur Russell) propiciando en el oyente, con meticulosa sencillez, sublimación y eficacia, lo que ya se sugiere desde su título. Embelesamiento y arrobo. Música pop, música culta. O magnum mysterium. Salve Julia." (more)





06 – ANDY STOTT
Luxury Problems
(modern love)

"Al llegar a la mitad del álbum se empieza a comprender, la presencia que impone este álbum rozando distintos polos paralelamente, y el ejemplo perfecto es “Hacht the Plan”, el cual es el tema más largo del álbum, en éste Skidmore  juega a proyectar un aire de suavidad el cual fluctúa en un fondo plagado de beats acompañados de frialdad sonora. “Expecting” es el único tema que trata de enfocarse más hacia lo industrial, a las atmósferas obscuras. “Luxury Problems”, me remite un poco más a sus entregas anteriores, en el que trata de remitirse a su más pura esencia, así mismo pasa con “Up the Box” el que proyecta el lado más electrónico del disco." (more)





05 – DEAD CAN DANCE
Anastasis
(PIAS)

"...los tambores y las cuerdas se entregan al ritual sagrado, no quedan dudas, nuevamente estamos en el túnel de los tiempos y el encantamiento crece, dejándose llevar en las ondulaciones plácidas de "Amnesia" uno de los cortes mejor logrados de este diseño redentor de los australianos, no corresponde hablar de madurez si se trata de Dead Can Dance, quizás 're-conocimiento' sería la palabra para definir tal grado de lucidez creativa, la pausa necesaria tras cada movimiento y armonía, mucho de instinto también o sino la música no podría traspasar justo hasta la piel como acá se consigue." (more)





04 – PIANO MAGIC
Life Has Not Finished With Me Yet
(second language)

"...la melodía presa de los años sin razón, la caída libre de un angel de ojos llorosos, la cajita perfecta donde guardar tu más santo secreto de inocencia, los sonidos de Piano Magic se atreven a buscar por allí y consiguen intervenir esos nudos, la música como estado de videncia, la poesía de Johnson como un escape necesario en la titular "Life Has Not Finished With Me Ye", permanecemos a pesar de todo, cada resbalón supone un inmediato sacudimiento, sólo estás tú y eso basta para cambiarlo todo nuevamente." (more)





03 – SCOTT WALKER
Bish Bosch
(4AD)

""Bish Bosch" es probablemente el disco más difícil del año, el más abstracto, el más incomodo, requiere mucha paciencia, pero al final resulta en verdad el que mejor recompensa al escucha, Walker no hace ninguna concesión, ataca todos los sentidos, aterroriza, impacta, sorprende, seduce y repugna en partes iguales, cosa que rara vez podemos experimentar al mismo tiempo, y en temas como "SDSS14+13B(Zercon, A Flag Pole Sitter)" nos brinda su voz, su instrumento principal a gran escala para después acompañarse por esas brutales y despiadadas guitarras, y después esa mezcla de aplastantes percusiones y enervantes cuerdas, Walker dirige esta marcha apocalíptica y lo hace de manera despiadada, convirtiéndose en algo así como el Alfred Hitchcock de la música, consiguiendo una mezcla de terror, tensión, arte y humor, mucho y muy oscuro humor." (more)





02 – GRIMES
Visions
(4AD)

"Tras la sacudida electro, encontramos en "Visions" un trabajo repleto de buenos momentos donde los sintetizadores se mueven con elegancia y las vocalizaciones iluminan siempre el terreno misterioso, Claire a ratos puede parecer una hada ingenua ("Circumambient"), luego transfigurarse en una Enya apocalíptica ("Symphonia IX (My Wait Is U)" y "Visiting Statue"), para finalmente entrar como médium en un lance tribalista del tipo Gang Gang Dance ("Vowels = Space And Time"), en todas las estaciones su voz es el centro, los sonidos son lustrosos y mágicos, ecos y visiones cierran con perfección el pentagrama de Grimes. Fluorescencia natural." (more)





01 – SWANS
The Seer
(young god)

" ...11 cortes en 2 horas de intensidad penitente, partiendo por la solemnidad nefasta de "Lunacy", entrando en un templo pagano de épocas pretéritas que vuelve a iluminarse en la plegaria extasiada de unos feligreces sin misericordia, la atmósfera es apocalítica, el sonido es contundente y lento, a la vez se respira la caída y el arrebato que gime, la voz de Gira marca el ritual adornado por el coro creyente de Alan Sparhawk y Mimi Parker o sea Low, gran colaboración. Disparados en el universo marcial, llega el golpeteo de "Mother Of The World", los bajos suenan como latigazos, las percusiones abrazan las guitarras minimales produciendo un efecto lisérgico, M. Gira gruñe, se sacude y vuelve para liderar la ceremonia más sacrílega, donde la sustancia de Swans se mueve con soltura, maestría ruidista de casi 10 minutos, nos encontramos lejos, muy adentro y no podemos dejar de mirar el altar vicioso. El trayecto es variado, "The Wolf" es una pausa de amaricana desgarbada con zumbidos de ruido blanco, para llegar a las gaitas orgiásticas que abren "The Seer", de nada menos que 32 minutos, el drone, un universo paralelo de pulsaciones intuitivas donde notamos a una banda totalmente conciliada con su esencia explorativa y buscadora, palidecemos, la hoja queda en blanco y el brebaje se torna cada vez más espeso, la marea es oscura y golpea con fuerza, nunca se apagan, los movimientos son certeros y la expresividad desbordada lleva al colapso nervioso, a la elevasión." (more)









El Sueño del Esquimal en transmisión, 50 Discos para 2012, jueves 27 de diciembre ' a eso' de las 21:00 hrs. por Radio Placeres 87.7 FM desde la bahía de Valparaíso, también online para el resto de este y los otros mares, www.radioplaceres.cl.









diciembre 13, 2012

El Sueño del Esquimal #374, jueves 13 de diciembre.




Entre piruetas ornamentales y mensajes regados por la plataforma independiente en línea, despedimos el 2012 con gratitud y esperanza, ya vendrán los consensos y las listas de fin de año, nosotros contentos por el ruido desplegado. Y si el 21 no dice otra cosa, estaremos de nuevo volteando la cabeza en busca de la brisa tenue.







Bish Bosch
4ad, 2012

Scott Walker es atemporal, su música responde solo a la lógica de su propia dimensión, puede ser ancestralmente espiritual, o vanguardistamente profética, el caso es que sus infernales operas eternas en esta ocasión presentan un nuevo giro en su dirección y aunque es seguro decir que sus nuevas composiciones mantienen el sepulcral estilo de "Tilt" (fontana, 1995) o "The Drift" (4ad, 2006), "Bish Bosch" es un paso adelante, mientras que Walker sonaba desoladoramente solitario en esos dos discos, para este Bish Bosch, Walker suena acompañado de un ejercito y eso es sólo una parte de las sorpresas que Walker nos trae en esta ocasión, ya que los ritmos que Walker ha decidido incluir son poderosos, las guitarras lacerantes y por si fuera poco Walker se acerca muy a su manera a la electrónica en lo que definitivamente es el disco del año.

Para el que pueda esperar un cambio radical en las composiciones de Walker, adelantémonos que esto no es pop, sino lo más alejado que uno pudiese imaginarse del pop, con el sonido de amenazadoras espadas chocando una contra otra, instrumentos hawaianos, orientales y brasileños usados de maneras inimaginables, conjuntos de cuerdas orgánicas y sintetizadas que consiguen sobrecargar nuestros nervios y un Walker que se atreve, si señores, se atreve a incluir elementos inesperados en su ejecución vocal.

El infierno sonoro de Walker no conoce principio ni fin, así que con "See You Dont Bump His Head" arranca este disco sin previo aviso, el ritmo caliente y brutalmente minimalista al tiempo que Walker hace su fantasmal aparición, David Bowie, David Aird o David Sylvian háganse un lado que el maestro ah regresado y de que manera, acompañado de tambores batientes y de guitarras feroces que predominan en la mezcla, más que en ninguno de los discos anteriores de Walker, algo que sabíamos que hacia falta y que ahora Walker nos trae de manera generosa.

"Corps De Blah" podrìa parecer de inicio un oscuro arrullo, un doloroso lamento, que rápidamente es convertido en un suceso incomodo vía el replicar de la electrónica y un piano que interrumpe de manera particular, Walker nada tendrá que ver con la música industrial pero no es tímido al momento de incluir sonidos mecánicos y después proseguir con una batería fulminante y la estridente fricción de la cuica brasileña que a más de uno dejará desorientado en gran escala, claro y por si fuera poco las poderosas guitarras a la carga, para cerrar el tema con un adorable arreglo de cuerdas de mucha, mucha altura.

En "Phrasing", nuevamente nos encontramos con Walker acercándose muy a su manera a la electrónica, será este el disco electrónico de Walker?, si y no, pero es probablemente el acercamiento mayor que ha tenido este inquieto creador, aunque también es su disco con ritmos más bestiales y guitarras más rabiosas, alcanzando una portentosa combinación de intensidad y silencios, quien decía que los ritmos de Dinosaur Jr. o de los Pixies era dinámicos? Y ni que decir de los segundos de samba que Walker incluye aquí, nuevamente genial, para después sacudirnos con guitarras eléctricas monumentales.

"Bish Bosch" es probablemente el disco más difícil del año, el más abstracto, el más incomodo, requiere mucha paciencia, pero al final resulta en verdad el que mejor recompensa al escucha, Walker no hace ninguna concesión, ataca todos los sentidos, aterroriza, impacta, sorprende, seduce y repugna en partes iguales, cosa que rara vez podemos experimentar al mismo tiempo, y en temas como "SDSS14+13B(Zercon, A Flag Pole Sitter)" nos brinda su voz, su instrumento principal a gran escala para después acompañarse por esas brutales y despiadadas guitarras, y después esa mezcla de aplastantes percusiones y enervantes cuerdas, Walker dirige esta marcha apocalíptica y lo hace de manera despiadada, convirtiéndose en algo así como el Alfred Hitchcock de la música, consiguiendo una mezcla de terror, tensión, arte y humor, mucho y muy oscuro humor.

"Epizootics!" Es toda una joya de algo que no se si es rock, composición moderna, música electrónica, o que, pero que suena delicioso al oído, Walker invoca todos los demonios musicales habidos y por haber, después nos hace reír un poco con su “miedo a los hawaianos” y por si fuera poco nos receta este tema altamente visual que muchos encontraremos conexión con el alucinante mundo del maestros David Lynch (curiosa y extrañamente el tercer David mencionado en esta reseña).

"Dimple" es más brutalidad sonora, tal vez por ello Walker demora tanto tiempo entre disco y disco, esto es demasiado para asimilarse cada año o cada dos años, Walker construye un entramado tan complejo que nos llevara años obviamente, poder descifrar y es algo que se agradece ya que poco alcanzan este nivel de arte e intelectualidad combinado, como en "Tar" y sus vibrantes bajos y amenazadoras espadas, o en "Pilgrim" y sus percusiones nativas a toda velocidad.

"Bish Bosch" cierra de manera épica con "The Day The “Conducator” Died (An Xmas Song)", un tema con disonantes guitarras e inquietante atmósfera, que por momentos pone a temblar el equipo de sonido con sus explosivos bajos, Walker consigue de esta manera lo que pocos, mantenernos en continua tensión, hasta el último segundo del disco, obligándonos a contener la respiración, y es que eso es precisamente "Bish Bosch", casi una hora y media de tentación sonora bajo el agua, sabemos que nos puede causar daño, pero queremos llevar nuestros sentidos al extremo, y eso, sólo Walker lo sabe hacer.

A menos que Robert Wyatt nos traiga un explosivo disco con los Cannibal Corpse, mi apuesta completa es a que este "Bish Bosch" es el disco del año, aquí debiéramos cerrar el 2012, y empezar a preocuparnos por el 2013, si es que llega.

por U Are A Ghost
desde headheritage.co.uk









Sun
matador, 2012

Han pasado seis años desde que se publicara aquel maravilloso "The Greatest" que catapultó a su creadora a la cima de las nuevas damas de la canción de autor. Desde entonces, Chan Marshall ha estado buscando su propio camino, ha homenajeado algunas de sus canciones predilectas en su disco de 2008 "Jukebox" y ha desaparecido de los focos, para regresar ahora de manera renovada, con nuevos objetivos que cumplir, con una dirección clara por la que seguir, con la firme intención de dejar atrás de manera definitiva su lado más autodestructivo.

Poniendo tierra de por medio con el sonido de cantautora clásica y acercándose sin dilación a terrenos de folk contemporáneo y experimental, Cat Power publica su nuevo trabajo "Sun", al abrigo de una producción repleta de capas, marcada por la electrónica más sutil, los ambientes embriagadores y la sugerente voz de su intérprete. Philippe Zdar es el responsable de este nuevo enfoque que la artista de Atlanta ha querido dar a su música. Una mirada vitalista, en un tono algo más optimista de lo que acostumbraba a hacer Marshall, moviéndose en registros realmente interesantes, a la par que desconcertantes.

Es cierto, resulta extraño escuchar a Cat Power con una producción tan moderna y “artificial”, alejada de los sonidos orgánicos y acústicos de anteriores entregas, sin la entrañable melancolía y la voz de perdedora que nos ofrecía antes. Pero resulta alentador descubrir a una artista que no permanece inmóvil ante el paso del tiempo, una personalidad cambiante, inconformista y con ansias de evolución.

Sin duda lo mejor de Sun radica en su afán de cambio, en canciones como "Cherokee", "Ruin", "3,6,9" o "Manhattan", donde se vislumbra un nuevo horizonte creativo para la cantautora. La complejidad del conjunto y su dificultad de asimilación se contraponen de manera sublime a la gentileza del envolvente sonido y a la riqueza de matices que otorgan al disco una situación privilegiada para encarar los años venideros y el acontecer de una carrera que cada vez es más firme y completa.

por Javier Decimavilla








Luxury Problems
modern love, 2012

Hace ya un tiempo que Andy Stott preparaba algo diferente a lo que generalmente nos tenía acostumbrados, y que a pesar de experimentar eventualmente siempre volvía a su esencia más pura de Dub Techno. Aun así, durante los últimos años se enfocó un poco a su otro proyecto bajo el nombre de Andrea, sin dejar del lado el principal sacando un par de remixes de vez en cuando, como el que le hizo a Holy Other en 2011, el cual estaba estrenando el "With U EP" (tri angle, 2011), entre otros.  Bajo este alias, se dedicó a sacar sencillos, para un sub label de Modern Love llamado Daphne y en el que colaboró la mayoría de las veces con un productor llamado Millie.

Antes que nada hay que poner en claro que uno de los elementos principales de "Luxury Problems" son los vocales, son a mi parecer lo que le impregna este ligero aire de misticismo, así como representa gran parte de la esencia de este álbum que propone un horizonte completamente inexplorado por Andy hasta el momento. Estos vocales están a cargo de Alison Skidmore, la cuál conoció gracias que ésta le había impartido clases de piano anteriormente.

El tema inicial del álbum ”Numb“ nos presenta un lado bastante espectral de Alison, la cual interviene al repetir la palabra 'touch', que se combina con una ola de ecos y crea un ambiente bastante obscuro. Sin embargo hay un momento clave en este tema, en el cual Andy  irrumpe con una serie de pulsos de bajos, lo cual permite experimentar un ritmo bastante contrastado que, a pesar de su suavidad y frialdad paralela de Skidmore, persiste en un ambiente tenso.

En “Lost and Found” nos presenta una versión diferente de Alison, es un estilo un poco más inclinado hacía un modo más profesional del canto; “Sleepless” puede que sea uno de los temas en que menos participa Skidmore, si no es que es el único. En éste se puede apreciar una introducción un poco ambiental la cual desplaza progresivamente con una serie de ritmos los cuales conforme avanza el track, aumentan de intensidad.

Al llegar a la mitad del álbum se empieza a comprender, la presencia que impone este álbum rozando distintos polos paralelamente, y el ejemplo perfecto es “Hacht the Plan”, el cual es el tema más largo del álbum, en éste Skidmore  juega a proyectar un aire de suavidad el cual fluctúa en un fondo plagado de beats acompañados de frialdad sonora. “Expecting” es el único tema que trata de enfocarse más hacia lo industrial, a las atmósferas obscuras. “Luxury Problems”, me remite un poco más a sus entregas anteriores, en el que trata de remitirse a su más pura esencia, así mismo pasa con “Up the Box” el que proyecta el lado más electrónico del disco.

Así como el inicio, el tema final llamado “Leaving” presenta una aleación de sonidos ambientales a manera de ecos, que se funden con la impresionante voz de Skidmore. Sin duda remite a Luomo en cierto punto, con la frescura y la inteligencia que caracteriza al productor finlandés.

Uno de los mejores álbumes de Andy Stott. Nadie lo hubiera imaginado capaz de llegar a descubrir estos panoramas, y este no es otro que el resultado de nuestras sorpresas. Enorme.

por Yann S. Mazy









Fingers Crossed
public information, 2012

En el Noreste de Rusia (aquel inmenso país atrapado en la historia −para bien o para mal−) se encuentra la ciudad de Petrozavodsk, más cercana a la península escandinava que al centro de Rusia, esta región es conocida como República de Carelia. Y como esta no es una lección de geografía debemos decir que desde ese lugar viene uno de los proyectos musicales que (sobre todo este año) nos ha mantenido alerta en el laboratorio esquimal, me refiero a Love Cult, dúo (sentimental además) formado por Anya Kuts e Ivan Afanasyev, claro que era necesaria toda esa intro cuando estamos frente a una cración sonora aislada y distintiva a lo que solemos recibir. Por ahí en mayo reseñamos 2 de sus casettes anteriores, "Sobaki, Volki" (2010) y "Nebulaes" (2011), extasiados disfrutamos de esa oscuridad distante que sale del aparataje manipulado y de la voz-ondina de Anya que hipnotiza y te lleva de exploración por las honduras más alucinantes.
Ahora toda esa magia vuelve con este flamante primer LP, "Fingers Crossed" publicado por el sello londinense Public Information, el formato largo ayudará sin dudas para una mayor propagación del mantra drónico que nos proponen. Un trayecto que no es fácil de buenas a primeras, hay que estar paciente y agudizar bien las antenas, los espacios auditivos son siempre deformados, ya sea por grabaciones fantasmales (tomadas de alguna escucha en onda corta de madrugada) como en "Wall Rug", o por esa creatividad austera y repetitiva sacada de las sombras y el frío ártico ("Kantele"), el asunto es que la música de Love Cult se encuentra envuelta bajo un manto onírico, abstracto, como una visión borrosa de vivencia casi inconciente, perdida en los avatares de las estaciones, sin embargo la clarividencia sonora de la pareja nos sorprende con arrullos tan sútiles como la titular "Fingers Crossed", cercanos a este lago nos sentimos como en casa, de vez en cuando uno imagina un ambiente que extienda calma y plenitud, y los Love Cult lo consiguen en este nimbo ocultista y maquinal, el ruido como fuente de pureza profunda.
La última parte del disco se abre con el bajo palpitante de "Knoeledge", el canto de Anya flota en la ventisca de circuitos esparcidos por Ivan y las grabaciones espectrales de otro tiempo, cuanto tiempo en la aldea nortina viendo pasar los años y las acciones, alejados de las multitudes flagelantes, procesiones y fragmentos que siguen tras la lentitud de "Palinode", la desfiguración, el diseño no comunicado, el noise congelado de "Place To Get Lost In" nos despide sin temor al colapso penitente, sino que siendo parte del tornado, girando, soñando despiertos en la habitación de cristal.

Raúl Cabrera H.








Shrines
4ad, 2012

Afortunadamente aquel efímero invento llamado witch-house (¿de verdad existió?) no ha arrastrado con su corta vida a Purity Ring. Incluso puede que su nombre solo se viera asociado a esa vacua escena por una simple cuestión de coetaneidad. Este dúo, formado por los jovencísimos canadienses Megan James y Corin Roddick, ha conseguido salvarse de la quema, sobre todo porque han sabido dosificar y escoger cuidadosamente sus muestras de talento y personalidad. Y, aunque en sus canciones siempre han manejado ambientaciones lúgubres y BPMs muy bajitos, desde que comenzaran a destacar a inicios de 2011 han brillado por su marcado carácter pop.

La sensación al enfrentarse a "Shrines", su álbum de debut, es que Purity Ring han trabajado mucho en crear un proyecto sin fisuras, muy coherente en su parte estética y excelente en lo musical. Tanto lo musical, con ese dark-pop electrónico con rítmica dubstep (pienso en una hipotética colisión entre Robyn y Burial); como lo lírico, en unas letras en las que Megan utiliza inquietantes referencias anatómicas (pulmones como coronas, agua de mar entre los muslos) para expresar sus sentimientos íntimos; y lo estético, con unas preciosas ilustraciones de Matt De Jong que poseen ese impacto aterrador de los viejos cuentos infantiles, conforman un todo exquisito.

Pero "Shrines" es sobre todo un disco que apenas da respiro (solo, quizá, ocurra con la triste "Cartographist") con su pop exuberante, que derrocha a la vez audacia y gancho. Desde viejas conocidas como "Ungirthed" o "Lofticries", tan convincentes como el primer día, pasando por "Obedear", "Belispeak", "Crawlersout", "Grandloves" (en la que utilizan partes de "You With Air", tema de Young Magic −otros interesantes debutantes en este 2012−), "Saltkin", "Amenamy" o el prodigioso single "Fineshrine" (posible canción del verano en nuestro mundo), cada corte en "Shrines" parece perfectamente capaz de cumplir ese axioma que dice que una canción solo muestra su verdadera calidad cuando es interpretada con una simple guitarra acústica. Hagan lo que quiera que hagan en el futuro, James y Roddick podrán interpretar estas canciones como sea, desde con zambomba hasta con una filarmónica, que no perderán un ápice del poder evocador y la dulzura que transmiten en esta forma. Aunque también es claro que, si hoy tenemos que pensar en quién representará mejor el pop electrónico en este año, parece que apenas "kin" de iamamiwhoami podría competir con este "Shrines".

por Raúl Guillén








Quarter Turns Over A Living Line
blackest ever black, 2012

El debut en largo del duo londinense Raime, formado por Tom Halstead y Joe Andrews, se había convertido en uno de los momentos más esperados para la recta final de temporada. Motivos había de sobra para aguardar con esperanza este larga duración después de ser uno de los nombres que más elogios han acaparado desde su debut en 2010. Con tan solo tres maxis editados hasta día de hoy, Raime se habñian convertido en objeto de culto y en referencia habitual para versar sobre una generación que recuperaba el salitre del oscurantismo electrónico del post punk, la música industrial y la minimal wave, revistiéndolo con nuevos matices venidos del dub-techno, electrónica pretérita, oscurantismo ambient y ruido. Toda esa mezcla nos ha dado una inagotable cosecha de entradas y de artistas que enumerarlos tampoco sería necesario. Tan solo con pensar la cantidad de veces que hemos visto en los últimos tiempos comparar a alguno de estos artistas estilísticamente con Raime, es suficiente. Esta circunstancia, de convertirse en una contínua referencia, tal vez podía haberles pasado factura. Tal vez este ha sido el problema de Andy Stott con “Luxury Problems”, al convertirse sus trabajos anteriores en una especie de nuevo canon continuamente referenciado llevándole a dar un paso, al menos, titubeante. La expectación era alta y este debut ha borrado toda sombra de duda con una maniobra lógica y que amplifica todos sus matices. Más bien, alimenta la sombra de su música hacia niveles de precisión de un impacto simplemente aterrador.

“Quarter Turns Over a Living Line”, no suena a disco pretencioso ni a artefacto forzado por ninguna coyuntura, simplemente respira toda la retórica de ritual oscurantista con pasmosa naturalidad, tomando prestado y sin deber nada a nadie hasta configurar un universo que simplemente solo es atribuible a ellos. El disco, sin ser excesivamente extenso tiene un poder de síntesis que lo hace aún más adictivo. No es que sepa a poco, es que sabe tan bien que no te cansas de escucharlo una y otra vez. Al mismo tiempo, tampoco supone un ejercicio de vanguardia ni de experimentación desmedida, la principal diferencia en este disco con respecto a los anteriores maxis es la incorporación de una mayor variedad de instrumentación y buscar en ellos una mayor naturalidad a su sonido, conciso pero mucho más expansivo. Además, la estructura del album es clásica y parece casi alimentar las imágenes de un guión imaginario donde los distintos cortes sirven de transición entre escenas. Siempre he pensado que las escenas que mejor acompañarían a la música de Raime, esto es una opinión personal, son escenas o secuencias previas a una catástrofe , donde se genera la tensión o bien, todo lo contrario: los restos de la debacle, explosión, etc. Estampas que tal vez generan un trance hipnótico más que un shock o sobresalto.

Con esta apreciación, nos centramos en el contenido del disco y su apertura “Passed Over Trail”, un inicio donde el ritmo está desvanecido entre el espesor ambient y la incorporación de interferencias ruidistas y de lamentos de cuerda como una especie de universo donde Kreng, Roly Porter, Ben Frost y The Haxan Cloak serían una compañía perfecta. Esta faceta de ambient aislacionista es tratada con una contundencia que el drone que sostiene el andamiaje del corte es digno de Kevin Drumm y con cada subida de volumen amplifica su poder, dejando que los bajos te sirvan casi de ventilador. Esa potencia y densidad en su sonido se hace evidente con “The Last Foundry” y su comparación con la primeriza “This Foundry” que se encontraba en su maxi homónimo. La virulencia y la precisión del factor ambiental arrastra la misma rítmica a niveles mucho más agresivos y apocalíticos, aunque con ese elemento rítmico esquelético casi de reloj, parece relatar una tensa espera y al mismo tiempo, contiene el tono sinuoso de algunos temas de Chris & Cosey como “The Giants Feet” o de Ike Yard, aunque el nivel de aproximación al ambient es lo que alimenta la calidad de este disco (por seguir con la comparación de “The Secret Touch” de Cosey Fanni Tutti), completando los silencios por una masa espectral contundente. “Soil & Colts”, fue el primer teaser que tuvimos del album. Ahora, comprobando con mayor calidad la arquitectura de su sonido vuelve a demostrarnos su fiereza, entendida como tortura a cámara lenta. Esa velocidad narcotizada, serpenteando con elementos dub y con interferencias eléctricas entre el sonido de los bajos, acaba adquiriendo una atmósfera mística y sensual, en una estampa de sexo y psicodelia a cámara lenta. “Exist In The Repeat of Practice” sigue enfocando hacia el lado rítmico de los anteriores y se define en el título a la perfección.

Los patrones repetitivos y monolíticos de Raime se van amplificando continuamente por nuevos matices y ganando intensidad con los distintos elementos haciendo que crezca por detrás de estos ritmos todo un lenguaje misterioso que se encarga de aletargarnos en su final hasta abofetearnos con “The Walker In Blast & Bottle”, con el sonido de un cencerro sintetizado y ácido que se integra en una suerte de drone que puja entre el metal más pesado y el dub más comatoso mientras que los efectos empiezan a apoderarse de toda esta tensión y extrañeza bizarra simulando como un coro espectral venido del mismo infierno, como recordar la escena de “Possession” de Zulawsky (cuya banda sonora fue recientemente reeditada) donde la protagonista se dedicaba a dar gritos desesperadamente. O imaginar como serían los de la protagonista desaparecida en “Spoorloos”. Una suerte de aproximación espectral del bagaje de “Hennail”. Más sorpresivo, me pareció desde un principio el sonido de “Your Cast Will Tire” al introducir en su sonido los espamos y los delays de la guitarra eléctrica en su música, transformandose en un requiem surf en toda regla digno de los fantasmas de Rowland S Howard y que en parte comparte tensión con otro paisano inglés como es Forest Swords, aunque con una carga ambiental mucho mayor a la altura de artistas de Subtext.

En cierto modo, escuchar este disco me produce sensaciones parecidas a cuando escuché por primera vez discos como “By The Throat” de Ben Frost y “Aftertime” de Roly Porter, aunque el contenido de este disco tenga virtudes diferentes al de éstos, provoca un desgarro similar. Parece remover la parte más malvada y los pensamientos más retorcidos de cada uno de nosotros. Cuando llega el final con “The Dimming of Road & Rights”, una suerte de estampa casi campestre inducida por el sonido de cuerda parece despertarnos sensaciones parecidas a las de Shackleton, Demdike Stare y Pre-Cert Entertainment, acercándonos a extraños ritos y culturas en la campiña norteña del Reino Unido como en “The Wicker Man”, al igual que la música de Richard Skelton podríamos decir también, aunque en realidad el tono devastado y dramático me hace adentrarme en la espesa polvareda de “Satantango”. Además, que mejor unión de conceptos para explicar este disco como lo demoníaco y el ritmo. Como conclusión a este recorrido, queda el volver a abrazarlo de nuevo, el de seguir conduciendo a altas horas de la madrugada por autovias desiertas o tener la sensación que alguien nos persigue en la sombra sin ninguna motivo amigable. Así, trazando una maniobra sobria y concisa han conseguido contentar nuestras expectativas, esas de encontrar un disco donde no haya ni un rastro de esperanza y que nos reptase en el cerebro y nos helase el pulso. Sin trampa ni cartón, un disco contundente que sabe que no juega con el elemento de la sorpresa para golpearte, pero consigue doblegar todas tus defensas en un directo cara a cara. Bravo.

por Fran Martínez
desde conceptoradio.net








Forest Is Not What It Seems
self-release, 2012

2muchachos, el romántico guise de los músicos rusos Vladimir Karpov, Andra Evseeva y Dimitriy Borodin, ofrece el stream completo de su anticipado álbum "Forest Is Not What It Seems" una travesía sonora compuesta por grabaciones realizadas entre el año 2010 y el 2012. Los músicos de Cherepovéts exploran el mundo de los sueños, inscrito en un cuento de hadas que yace perdido entre la densa bruma y la profundidad de un bosque que guarda los misterios del inconsciente.

Compuesto por pasajes atmosféricos que encarnan aquél sitio intangible donde paradójicamente, la realidad se percibe de manera más lúcida, 'Forest Is Not What It Seems' trae consigo introspectivas postales de ambient análogo habitadas por abetos, búhos y criaturas flotantes, grabaciones de campo transfiguradas en goteantes fantasías pastorales, instrumentación fantasmal de sollozante belleza folk e inmersivas abstracciones lo-fi.

El release físico de "Forest Is Not What It Seems" será editado próximamente; sin embargo en su versión digital, el LP está disponible desde el 13 de noviembre por medio de bandcamp. También puedes leer la entrevista que tuvimos con 2muchachos el pasado mes de mayo, que acompaña un fascinante y exclusivo guest mix curado por la banda.

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El Sueño del Esquimal #374 en transmisión, jueves 13 de diciembre a eso de las 21:00 hrs. por Radio Placeres 87.7 FM desde la bahía de Valparaíso, también online para el resto de este y los otros mares, www.radioplaceres.cl.